История мировой культуры (новейший справочник школьника (аст))

М

МАВЗОЛЕЙ – тип монументального погребального сооружения. Назван по гробнице Мавзола, правителя Карии, построенной в Галикарнасе (Малая Азия) в IV веке до н. э. и признанной современниками одним из семи чудес света.

Мавзолей строили зодчие Пифей и Сатир, а скульптурный декор исполнили Скопас, Тимофей, Бриаксис и Леохар. Сохранилась лишь цокольная часть сооружения. Гробница имела несколько ярусов: высокий подий, открытую колоннаду со статуями и ступенчатую пирамидальную крышу. Ее венчала огромная скульптурная группа, изображавшая Мавзола и его жену Артемисию на колеснице.

Сооружение опоясывали три ленты скульптурного фриза. На них была изображена битва между амазонками и греками. В этом сооружении соединились традиции Греции и Востока: эллинские архитектурные формы и элементы всех трех ордеров с восточной четырехскатной кровлей и высоким постаментом-подием.

Мавзолеи были достаточно широко распространены в различных странах Востока: например, при Тимуре, правителе государства Великих моголов, в Самарканде был сооружен величественный мавзолей Гур-эмир, в котором были захоронены останки Тимура, его жены и сына. Известны и многие другие мавзолеи, сооруженные на месте захоронения правителей и известных людей, а также мусульманских святых.

В европейской культуре этот обычай не нашел распространения, поскольку противоречил христианской догматике. Только в рамках тоталитарной эстетики стали сооружать мавзолеи. Первым был построен мавзолей В. И Ленина в Москве (1924–26). За ним последовали мавзолеи Г. Димитрова в Софии, Сухэ-Батора и Чойбалсана в Улан-Баторе, Хо Ши Мина в Ханое. Они служат одновременно усыпальницей и трибуной.

 

МАЦРИГАЛ

Первоначально это слово обозначало вовсе не музыкальное произведение, а литературное. В XI–XIII веках мадригалами называли небольшие стихотворения, посвященные прекрасным дамам. Но уже в XIV веке без мадригала было невозможно представить европейскую музыку Возрождения. Таким образом, это жанр музыкально-поэтический, сочетающий стилевые особенности музыки и литературы. Поэтому и история его достаточно непростая и динамичная. Само слово указывает на то, что текст был написан не на латинском, а на итальянском (т. е. материнском) языке.

В XIV веке мадригал представлял собой двух– или трехголосную песню, иногда с инструментальным сопровождением. Содержание ее было любовно-лирическим или сатирическим, мелодика – затейливой и нарядной. Важнейшей особенностью мадригала был подчеркнуто светский характер, отразившийся в названии. В XV веке мадригал вышел из моды и был забыт.

Только в середине XVI века произошло его возрождение, которое продлилось целое столетие. Правда, оно касалось лишь названия и поэтических текстов. Музыка же изменилась полностью: теперь мадригалы сочинялись в виде пятиголосных вокальных ансамблей. Выдающиеся авторы мадригалов – Л. Маренцио, Джезуальдо де Веноза, К. Монтеверди (XVI–XVII вв.). Мадригалы сочинялись также в Англии, Германии, Нидерландах.

 

МАЖОР И МИНОР

С понятием «мажор» традиционно ассоциируется представление о чем-то светлом, жизнерадостном, тогда как с «минором» – о грустном, печальном. На самом же деле в переводе с латинского эти слова означают просто «больший» и «меньший». Но тогда возникает естественный вопрос – а как же все это связано с теорией музыки?

Как известно, музыкальные звуки различаются по высоте. Но для того, чтобы что-то измерять, нужна единица измерения. В музыке такой единицей является полутон. В европейской музыкальной традиции он является минимальной единицей, разделяющей музыкальные звуки. Согласие звуков, разделенных четырьмя полутонами, называется большой терцией, а образуемый ими музыкальный лад и является мажором.

Минором называется лад, образуемый малой терцией, т. е. звуками, разделенными тремя полутонами. Различие между ними связано с тем воздействием, которые звуки музыки оказывают на человека. Оказывается, что это небольшое различие – всего на один полутон – меняет всю тональность произведения.

Однако отношения между минором и мажором не столь прямолинейны, как представление о веселом и грустном. Существует немало веселой, жизнерадостной музыки, написанной в миноре, и задумчиво-скорбной или возвышенной музыки, написанной в мажоре.

 

МАЗОК

Прямое значение этого слова – след, оставляемый кистью, – обуславливает его понимание как важнейшего выразительного средства масляной или темперной живописи.

Мазки, наносимые художником, определяют фактуру красочного слоя, а это, в свою очередь, влияет на восприятие всей картины. Характер мазка зависит от замысла художника и свойств изображаемого им предмета. Например, отдаленные предметы исполняются «легче», чем находящиеся на первом плане. Иногда быстрые, нарочито небрежные мазки помогают подчеркнуть подвижный, порывистый характер портретируемого. Вот, например, портрет Ф. И. Шаляпина, исполненный художником Коровиным. Быстрые, четко видимые мазки передают порывистый, неукротимый характер певца. Совершенно иной мазок на портретах работы П. Корина. Он широкий и плоский, отражающий спокойную сосредоточенность его моделей.

Иногда мазок становится очень маленьким, почти незаметным. Такой прием называется пуантилизмом (от франц. pointe – точка). Очень интересно он использован на картине И. Грабаря «Мартовская лазурь». Он помогает передать необычную яркость и чистоту весенних красок и цветов пробуждающейся природы.

Бывают и такие картины, на которых художник специально добивается крупных, шероховатых мазков, применяя для этого не кисть, а специальный инструмент – мастихин.

 

МАЙОЛИКА

В широком смысле майоликой называют изделия из цветной обожженной глины с крупнопористым черепком, покрытые глазурью. Свое название они получили по месту изготовления – итальянскому острову Мальорка. Время появления – XV–XVI века. Особенностью майолики является нанесение красок перед обжигом по сырой непрозрачной глазури (обычно белого цвета). После обжига получалось цветное изделие с яркими красками и крупнопористым черепком. Майолику прежде всего отличает массивность и в то же время плавность форм в сочетании с яркой цветной поливой.

Применение майолики в декоративном искусстве и ее формы были достаточно разнообразны. Это прежде всего живопись (портреты, многофигурные композиции на декоративной посуде, плакетках и панно), скульптура (работы семьи делла Роббиа), а также архитектурные облицовки, посуда, статуэтки.

Майолика была распространена повсеместно, начиная с Ближнего Востока (Египта, Вавилона, Ирака) до стран Европы (Испании, Германии, Франции), где период расцвета майоликового производства наступил в XVII–XVIII веках. Последующий его упадок связан прежде всего с появлением фаянса и фарфора.

Изделия из майолики мы встречаем в основном в творчестве художников-керамистов. Так, после второй мировой войны к ней обращаются П. Пикассо и Ф. Леже. Их творчество отличается ярко выраженным экспериментаторским характером, они ищут как новые формы, так и возможности проявления майолики в цвете, глазури, эмали.

В России майолика стала известна еще в XI веке, а в XVII–XVIII веках эта техника носила наименование ценины. Русские мастера ценинного дела изготовляли не только посуду, но и детали для облицовки домов и оформления интерьера. Они широко применялись в архитектуре Ярославля и Москвы в XVII веке (наличники окон, порталы, фризы, фигуры святых, изразцовые печи). В XVIII веке майоликовую посуду, изразцы, мелкую пластику преимущественно с монохромной росписью по белому фону выпускал завод Гребенщикова в Москве, с полихромной – мастерские Гжели.

В конце XIX – начале XX вв. майолика стала использоваться и русскими художниками. Декоративная майолика разнообразных цветов привлекла внимание М. Врубеля, В. Васнецова, А. Головина.

В современной практике майоликой также называют керамику с цветными глазурями на фаянсовом белом или цветном черепке.

(См. также Изразец).

 

«МАЛЫЕ ГОЛЛАНДЦЫ» – многочисленный круг голландских живописцев XVII в., называемых так в связи с камерным характером их творчества и небольшим размером картин, а также в отличие от современных им выдающихся голландских художников (например, Рембрандта или Хальса). Художники, которых объединяет этот термин (Питер де Гоох, Г. Терборх, Г. Метсю, Я. Стэн, Я. Вермеер и мн. др.), занимают важное место в истории голландского искусства. Их объединяло и то, что все они работали в области бытового жанра – сцен городской повседневной жизни. К середине XVII века живопись этих художников начинает приобретать более холодный и беспристрастный характер. Только в картинах дельфтских художников, подражавших Рембрандту, сохраняется прежняя поэтичность и полнота воздушной среды. Но и в них постепенно начинает проявляться сухая описательность, внешняя красивость.

 

МАНДАЛА (древнеинд. mandala – круг, диск) – один из важнейших сакральных символов буддийской мифологии – графическое изображение структуры вселенной в соответствии с представлениями буддизма.

Мандала впервые появилась в Индии и лежит в основе многих построений древнеиндийской культуры и искусства. В период средневековья, с распространением буддизма в других странах, она появилась и в искусстве Тибета, Монголии, Японии. Она представляет собой круг с вписанным в него квадратом. В этот квадрат, в свою очередь, вписан внутренний круг, разделенный на восемь частей. Квадрат ориентирован по сторонам света, каждой из которых соответствует определенный цвет: северу – зеленый, югу – желтый, востоку – белый, западу – красный. Посередине каждой из сторон квадрата находятся врата, продолжающиеся изображениями четырех небесных царей. В центре внутреннего круга изображен главный объект почитания – Будда.

С другой стороны, круг, разделенный на восемь частей, символизирует женское начало, а изображение в центре – мужское начало. Таким образом, это изображение представляет собой один из древнейших вариантов символа плодородия. Этим и обусловлена широкая распространенность мандалы в монгольском и китайском искусстве.

 

МАНЕРА – характер или способ исполнения художественного произведения, свойственный определенному мастеру, стилю или направлению.

В истории искусства термином манера также обозначаются иногда общие свойства исполнения, характерные для художника или художественной школы в определенный период творческой истории, например, «поздняя манера Тициана». Следовательно, применительно к художественной культуре манеру можно считать синонимом слова стиль. Она характеризуется рядом устойчивых признаков, повторяющихся от произведения к произведению независимо от конкретного сюжета или предмета изображения. Например, особенностью творческой манеры Ф. Малявина можно считать мастерскую работу с оттенками красного цвета, а для манеры В. Е. Маковского – с коричневыми тонами.

Творческая манера – понятие, применимое практически ко всем отраслям художественной культуры. Иногда, например в музыке, она мало меняется на протяжении творчества композитора, что становится его своеобразной визитной карточкой. Например, для музыки К. Дебюсси характерно плавное течение без резких ритмов, а сочинения Д. Шостаковича, напротив, построены на тончайших ритмических нюансах и переходах.

 

МАНЬЕРИЗМ (итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – направление в западноевропейском искусстве XVI века, отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы (в Италии живописцы Я. Понтормо, Пармиджанино, А. Бронзино, скульпторы Б. Челлини, Джамболонья) утверждали представление о неустойчивости мира, о власти иррациональных сил над человеком, шаткости человеческой судьбы.

Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, изощренностью форм. Фигуры на портретах приобретают удлиненную форму, художники часто прибегают к резким светотеневым переходам и цветовым диссонансам. Портретируемый находится в состоянии внутреннего напряжения.

Эти же черты видны и в архитектуре. Постройки приобретают излишнюю, даже гротескную орнаментированность, в которой множество символов, аллегорий. В известном смысле маньеризм представляет собой переходный этап от ренессансной четкости и ясности силуэта к принципам барокко, основанным на разрушении геометрически четких форм.

Маньеризм нашел отражение не только в изобразительных искусствах и архитектуре, но и в литературе (например, в испанской поэзии). Он оказал известное влияние на формирование искусства и эстетики барокко.

 

МАРИНА (итал. marina, от лат. marinus – морской) – произведение пейзажной живописи или графики, посвященное изображению моря.

Как самостоятельный вид живописи марина сформировалась в Голландии в середине XVII века. Тогда появилась группа художников – Я. Порселлис, Сде Флигер, Х. Сегерс, В. ван дер Вельде, – посвятивших свое творчество изображению морской стихии. Обусловлено это было популярностью картин на темы морских сражений, поскольку только что закончилась война за независимость Голландии.

Художники-маринисты ушли от простой иллюстративности и начали писать не только сражения, но и борьбу людей со стихией. Именно противостояние моря и человека становится основной темой европейской маринистики. Среди крупнейших художников-маринистов необходимо назвать английского живописца У. Тёрнера. Он впервые стал передавать всю гамму состояний моря – от спокойного до разбушевавшегося. В России этот жанр получает распространение в первой трети XIX века и связан с творчеством И. К. Айвазовского и А. П. Боголюбова. Картины Айвазовского, где изображены бури, корабли, борющиеся с волнами, отличаются точной передачей игры цвета морской воды, эмоциональной приподнятостью, характерной для романтического видения мира.

В русском искусстве XX века морская тема представлена не так широко. Наиболее крупные произведения созданы латышским художником Э. Калнынем.

 

МАРШ – едва ли не самая узнаваемая из всех музыкальных форм. И это не случайно. Марш появился так давно, что кажется, будто он существовал всегда. Но это, конечно, не так. Как и другие виды ритмической музыки, марш возник для облегчения совместного передвижения многих людей. Каждый знает, насколько легче работать под ритмичную музыку. Настолько же легче и долгая ходьба под ритмичные звуки. Первоначально для координации шагов использовались барабаны. Лишь с течением времени к ним добавилось музыкальное сопровождение. Поскольку ходьба всегда имеет четный ритм, то и ритм марша всегда четный – 2/4 или 4/4.

Так как массовые шествия организуются по разным поводам, сложились и разные типы маршей – походные, строевые, встречные, а также торжественные и похоронные. Наконец, есть и церемониальные марши, а также марши людей разных профессий. Один из них – «Марш марсельцев», сочиненный офицером французской армии Руже де Лиллем, – под названием «Марсельеза» стал даже государственным гимном Франции.

Марш занимает настолько большое место в жизни человека, что его интонации стали символами определенных жизненных ситуаций – радости, скорби. Они вошли и в классическую, и в песенную, и в легкую музыку. Однако марш всегда легко узнается и воздействует на свое окружение.

Он занимает большое место и в истории музыки. Марши писали и как самостоятельные пьесы (например, В. А. Моцарт, Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон), и вводили в состав более крупных произведений – опер, балетов, сонат, сюит.

 

МАСКИ

Происхождение масок скрыто в такой глубокой древности, что трудно установить точное время их появления в человеческой культуре. Однако исследователи считают, что первые маски появились еще в период неолита.

Еще в конце второго тысячелетия до н. э. участники культовых обрядов, стремясь представить себя различными божествами или злыми духами, надевали маски с изображением голов животных или человеческих лиц. Появление театральных масок связано с культом Диониса. В культе умерших предков значительную роль играли специальные маски, надеваемые на лицо покойника (погребальные маски на египетских мумиях). В античную эпоху широко использовали маски с изображением страшных мифологических существ (головы Горгоны Медузы), якобы обладающие магической силой (отвращающие беду). Позднее охранительные маски применялись для украшения зданий или гробниц.

Следы ритуальных масок сохранились до наших дней в традиционном театре ряда стран Востока, например в Японии. Там не только широко применяются маски, но и сохранился так называемый маскообразный грим, который перед представлением наносится на лицо актера и полностью изменяет его внешний вид.

Кстати, далеко не всегда маска надевается именно на лицо: в традиционном театре Индонезии исполнитель держит маску в руках, а в ритуальных представлениях эскимосов – надевает на пальцы.

В театре разных народов применяются не только индивидуальные, но и парные и даже коллективные маски. Так, число исполнителей, скрывавшихся за маской дракона, в традиционном театре Китая иногда доходило до десяти.

В европейскую культуру маски пришли из античного театра. Там они надевались на голову вместе с париком и закрывали исполнителя подобно шлему. Для усиления звука маска имела рупор-резонатор, через который говорил исполнитель. Количество масок в античном театре было невелико, всего три или четыре, и все они имели свое предназначение в соответствии с теми человеческими качествами, которые изображали персонажи.

В XII–XIII веках маски широко применялись в средневековом театре, что привело к появлению своеобразного жанра – комедии масок.

 

МАССОВАЯ КУЛЬТУРА

Это понятие было предложено искусствоведами еще в 20-е годы XX века для характеристики изменившегося места культуры в современном обществе. Исключительно интенсивное развитие средств массовой информации и связи привело к тому, что в качестве адресата культуры стал рассматриваться не отдельный человек, а масса – большое количество людей. Естественно, что представление о массовой культуре вовсе не отменяло традиционного понимания культурного процесса. Более того, многие ученые считают, что именно бесценная сокровищница общечеловеческой культуры и является той основой, на которой стоит здание культуры массовой.

Но что же входит в данное понятие?

Прежде всего это произведения, предоставляемые в распоряжение широкой аудитории потребителей с помощью современной техники. Кроме того, это и система ценностей, которая соответствует вкусам и уровню развития массового потребителя определенного времени.

Феномен массовой культуры отражает мощное воздействие современного техногенного мира на формирование человеческой личности. Хотя произведения массовой культуры, по сути, являются своеобразным товаром, они не перестают выполнять и важную эстетическую задачу, влияя на формирование личности человека.

Незамысловатое содержание в произведениях массовой культуры часто маскируется аттракционностью, повышенной событийностью, шоковыми моментами. Создается система испытанных приемов, рассчитанных на простейшие безусловные реакции. Героем становится простой человек, живущий где-то совсем рядом со зрителем. Его обаяние усиливается и незатейливой музыкой с легко запоминающимися мелодиями. Так строятся, в частности, такие виды массовой культуры, как комиксы и так называемые «мыльные оперы».

Но почему же пустеют улицы больших городов, когда по телевидению демонстрируются сериалы типа «Рабыни Изауры» или «Марианны»? Дело в том, что за непритязательной внешней оболочкой они несут живые человеческие чувства и помогают многим миллионам людей расслабиться, отвлечься от повседневных забот. Поэтому, в частности, все подобные произведения обязательно имеют счастливый конец. Не случайно современные социологи рассматривают массовую культуру как важнейшее средство борьбы со стрессами.

Иногда авторы произведений массовой культуры создают своеобразную сказку для взрослых, поднимая в то же время весьма серьезные вопросы. Таковы, например, картина французского режиссера Луи Маля «Вива, Мария!», представляющая собой мюзикл на революционную тему, или знаменитый фильм по мотивам романа Л. Славина «Интервенция». Нередко наблюдается и своеобразное мифотворчество, например, в сериалах о Джеймсе Бонде или Фантомасе.

Понятно, что закономерности развития массовой культуры не зависят ни от конкретной страны, ни от господствующей в ней идеологии. Вот почему культура Италии 30-х годов XX века так похожа на русскую культуру этого же периода.

Как мы видим, массовая культура – вовсе не однородное явление, которое проявляется в разных областях искусства (музыке, кино, телевидении, изобразительном искусстве). О двух ее направлениях надо сказать особо. Это прежде всего популярное искусство, или поп-арт (от англ. popular art), и китч (от нем. kitch – поделка).

Поп-арт сложился в самостоятельное направление в начале 70-х годов, когда на выставках стали демонстрироваться произведения искусства, в которых изображались самые обыденные предметы. Причем важно отметить, что это всегда делалось на высоком художественном уровне. Тем самым художники как бы хотели показать: все, что окружает человека, может стать искусством, надо лишь уметь это увидеть. Естественно, здесь был и определенный эпатаж, даже вызов публике, столь характерный для появления всякого авангардного искусства. Иногда мастера поп-арта использовали приемы других течений, например сюрреализма. Но главный прием поп-арта, названный транспозицией, – перенесение привычного предмета в новую для него среду или наделение его неожиданными признаками (волосатые чашки, сосиска огромных размеров) – сообщает этому предмету новое значение, которое и нужно раскрыть зрителю или слушателю.

Одновременно с поп-артом появилось и еще одно направление, получившее ироническое наименование китча. Оно охватывает большинство явлений обыденной жизни – журналы с яркими обложками, рекламу, комиксы, обложки книг – словом, ту продукцию, которая тиражируется в миллионах экземпляров. Нередко китч возникает на основе фольклора, когда произведения традиционных промыслов начинают тиражироваться и становятся похожи друг на друга, как близнецы. Подобная утрированная манера изображения предметов и людей и является одним из главных стилевых признаков китча. Так постепенно формируется современная субкультура, нередко вытесняющая даже традиционный фольклор. Понятно, что китч не является прерогативой так называемого «буржуазного» общества, он появляется везде, где нарушаются закономерности развития культуры.

(См. также Поп-арт, Искусство тоталитарное).

 

МАССОВАЯ ПЕСНЯ – хоровая или сольная песня, получившая массовое распространение. В широком смысле слова массовая песня была известна давно. Первые действительно массовые песни появились в эпоху Крестьянской войны в Германии (XVI век). Они носили ярко выраженный сатирический характер и тяготели к традициям народных шуточных песен.

Социально-политическим явлением массовая песня стала в эпоху Великой французской революции («Карманьола», «Марсельеза», «Са ира»). К этому жанру следует отнести и многие революционные песни XIX–XX веков («Интернационал», «Красное знамя», «Варшавянка», «Смело, товарищи, в ногу» и др.), а также рабочие и антифашистские песни, созданные в 20–30-х годах нашего столетия. Их стилистика представляет собой сочетание традиций народной и профессиональной музыки.

Подлинно массовыми были многие красноармейские и партизанские песни времен гражданской войны и комсомольские песни 20-х годов («Наш паровоз», «Молодая гвардия» и другие). В те же годы жанр массовой песни занял ведущее место в русском профессиональном песенном творчестве. Лучшие образцы массовой песни отличают мелодическая яркость, злободневность содержания, простота и четкость формы (куплетное строение чаще всего с рефреном-припевом). Множество массовых песен появилось в годы Великой Отечественной войны.

Иногда бывало, что музыка популярной песни начинала самостоятельное существование со словами, сочиненными самодеятельными авторами. Выдающиеся образцы массовой песни созданы Д. Шостаковичем, И. Дунаевским, А. Александровым, Л. Книппером, А. Новиковым, В. Захаровым, братьями Покрасс, В. Соловьевым-Седым, В. Мурадели, А. Островским, М. Блантером, С. Туликовым, А. Пахмутовой, М. Фрадкиным, Я. Френкелем и другими композиторами. Из зарубежных композиторов, наиболее плодотворно работавших в области массовой песни, следует назвать Эрнста Буша (Германия), ставшего творцом антифашистской песни, Пита Сигера (США).

 

МАСТЕРСКАЯ

Это понятие появляется в средние века, когда в крупных монастырях появляются иконописные, ювелирные, книгописные мастерские. В эпоху Возрождения, когда занятие живописью впервые начинает осознаваться как профессия, произведение искусства становится товаром, с мастерской начинает ассоциироваться и представление об обучении искусству живописи или ваяния. Вокруг крупных художников группируются ученики, которые совершенствуют свое мастерство под руководством мастера и одновременно помогают выполнять заказы. Подобным образом была организована работа в мастерской Рафаэля или скульптора Бенвенуто Челлини.

В позднейшее время слово мастерская стало употребляться для обозначения места работы художника или скульптора, встав в один ряд с словами студия и ателье.

По мере становления академического художественного образования эти понятия начинают использоваться как обозначение организации профессиональных художников или состава учеников, объединяющихся вокруг крупного мастера (мастерская П. П. Чистякова, Студия военных художников им. М. Грекова).

Мастерская в виде ателье или студии стала одной из характерных примет европейского искусства: в специальном помещении в неподвижной позе сидела модель, а каждый желающий мог ее зарисовать. Первое такое ателье было открыто в Париже еще в середине XIX века. В нем работали Делакруа, Курбе, Мане, Моне, Писсарро, Сезанн и другие художники-импрессионисты. В дальнейшем подобным образом была организована работа в мастерских, основанных крупнейшими художниками своего времени – например, скульптором Огюстом Роденом. В начале XX века этот принцип был положен в основу организации учебного заведения нового типа – вначале Свободных художественных мастерских (1918–1920), затем Высших художественно-технических мастерских (1920–1926) и, наконец, Высшего художественного института (1926–1930). По замыслу создателей в основе обучения должен был лежать принцип свободного творческого общения мастеров и учеников. Однако в исторических условиях того времени эта система вначале эволюционировала в сторону традиционных форм обучения, а в 1930 году ВХУТЕИН был закрыт. В настоящее время эти традиции возрождает Академия живописи, основанная художником И. С. Глазуновым.

 

МЕБЕЛЬ – один из основных видов оборудования помещений, а также садов, парков и улиц. Мебель активно участвует в организации интерьера и составляет особую отрасль декоративно-прикладного искусства. История ее возникновения уходит корнями в глубокую древность. К древнейшим сохранившимся образцам мебели относятся предметы обстановки, предназначенные для фараона и его приближенных: сундуки, табуреты, троны, столы, ложа. В отделке древнеегипетской мебели широко распространены звериные мотивы и различные инкрустации.

Об основных образцах древнегреческой мебели мы можем судить по изображениям на вазах и скульптуре. Это разнообразные табуреты, стулья, ложа для приема пиши и письма. В средние века мебель изготовлялась более тяжеловесной, объемной. Ее отделка становится более замысловатой, орнаментированной. В мебельном искусстве прослеживается эволюция от простоты и непритязательности к роскоши и великолепию.

Более легкая и прочная мебель появилась в готический период, когда была изобретена двуручная пиал и появилась возможность получать тонкие доски. Появляется высокая «многоэтажная» мебель, перекликавшаяся со структурой архитектурных сооружений. Ее поверхность покрывается самой разнообразной отделкой – инкрустацией, плоскорельефной и ажурной резьбой. Постепенно мебельное искусство подчиняется господствовавшим в разные периоды времени стилям – барокко, рококо, классицизму.

Любопытна история появления в XIX веке стиля «жакоб». Своим названием данная мебель обязана семейству французских мастеров художественной мебели. Глава семьи Жорж Жакоб (1739–1814) – представитель классицизма. Его изделия находились во многих французских и иностранных дворцах. Это была резная мебель с позолотой, из полированного красного дерева, с отделкой золоченой бронзой. Его преемником стал сын Франсуа Оноре Жакоб (прозвище – Жакоб Демальтер – 1770–1841). Он изготавливал мебель для дворцов Наполеона в стиле ампир. Третий представитель династии, сын Франсуа Оноре, Жорж Альфонс Жакоб (1799–1870) изготавливал мебель красного дерева с наклеенными полосками латуни. Она и получила название «стиль жакоб». Так династия мастеров на протяжении трех поколений отражала менявшиеся стили и вкусы.

Русская мебель развивалась несколько по-иному. О ее типах можно судить по иконам, фрескам и миниатюрам. Главными предметами обстановки были деревянные неподвижные лавки (стоявшие по периметру помещения) и подвижные скамьи, служившие не только для сидения, но и для сна. Кроме них, в интерьере находились столы на двух или четырех опорах, сундуки, табуреты. Эти типы мебели сохранялись в народном быту до недавнего времени.

У народов Азии, которые в древности вели кочевой или полукочевой образ жизни, мебели в привычном для нас понимании не было. Ее заменяли ковры, вьючные сумки и мешки. Использовались также деревянные подголовники и небольшие столики на трех ножках, сундуки.

Отсутствовала привычная нам мебель и в традиционном японском жилище. Ее заменяли циновки. Только в средневековом Китае получают широкое распространение разнообразные типы дворцовой и храмовой мебели из покрытого лаком дерева: столы, этажерки-буфеты, лари, троны.

В странах Ближнего и Среднего Востока деревянная и бронзовая мебель появилась примерно в VII–VIII веках н. э. Но она предназначалась для мечетей и медресе – это были подставки для Корана, восьмигранные столики. Они обычно украшались затейливым арабесковым орнаментом.

Со второй половины XIX века, когда стало развиваться массовое производство мебели, начинает господствовать увлечение псевдостилями и конструирование мебели становится прерогативой художников-прикладников. С развитием стиля модерн мебель становится менее громоздкой. Эти черты усиливаются в начале XX века, когда постепенно развивается функциональный подход к мебели. Главным ее качеством становится удобство пользования и дешевизна изготовления.

 

МЕДАЛЬОН (франц. medallion, от итал. medaglia – медаль) Это слово имеет несколько значений. Первое – более широкое и используется в монументально-декоративном или прикладном искусстве для обозначения изобразительной или орнаментальной композиции на овальном или круглом поле. Обычно медальон является элементом внутренней или наружной отделки здания или предмета интерьера (камина, мебели). Медальон выполняется, как правило, средствами лепного или резного рельефа, росписи, мозаики. В прикладном искусстве также могут быть использованы эмаль, инкрустация, интарсия, резьба.

Второе значение более узко и связано с обозначением ювелирного украшения (обычно в виде круглой или овальной плоской коробочки с цепочкой). Происходит оно от различных амулетов, которые надевались на шею для зашиты от злых сил. Нередко амулет выполнялся в виде плоской коробочки, в которую вкладывались соответствующие предметы или записанный на бумаге или пергаменте текст заклинательного характера. После принятия христианства подобные амулеты стали использоваться для ношения христианских реликвий – мощей святых, просфоры, ладана. Само же слово «медальон» появилось в Древнем Риме для обозначения одного из видов награды. Она выполнялась в виде небольшого золотого диска, укрепленного на цепи для ношения на шее. По форме она напоминала монету, но отличалась от нее обилием украшений и размерами. Подобные медальоны вручались, например, военачальнику во время триумфа.

С течением времени медальон стал осознаваться как ювелирное украшение. В XVI–XVIII веках его носили как мужчины, так и женщины, и лишь во второй половине XIX века медальон постепенно стал лишь женским украшением.

 

МЕДНЫЕ ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ – музыкальные инструменты, изготовляемые обычно из меди, латуни и других сплавов. Они образуют особую группу в симфоническом оркестре, а могут выступать и как самостоятельный, так называемый духовой оркестр (иногда в сочетании с некоторыми деревянными духовыми инструментами). Они важны и для джазового оркестра.

Сюда относятся трубы, корнет-а-пистон, валторны, тубы и их разновидности, а также альт, тенор, баритон, бас, тромбон, саксофон, некоторые народные инструменты. Медные инструменты обладают громким, ясным и певучим голосом. Они отличаются от деревянных духовых, используемых параллельно с ними, не только материалом, но и способом образования звука. Если в деревянных духовых это происходит с помощью трости (маленькой пластинки), помещенной во входном отверстии ствола, то в медных духовых ее роль выполняют губы исполнителя. Поэтому для медных духовых инструментов характерно более резкое и бедное оттенками звучание, чем для деревянных. В оркестре они звучат в основном в ансамбле с другими и достаточно редко применяются как солирующие.

 

МЕДРЕСЕ – учебное заведение в исламских странах. Обучение в нем велось как на начальном, так и на более высоком уровне, поэтому можно говорить о том, что оно объединяло черты средней и высшей школы. Название происходит от арабского слова дараса – изучать. На начальной ступени обучение касалось чтения и комментирования текста Корана, а высшие ступени посвящались глубокому изучению мусульманского богословия и права. В медресе преподавали многие крупнейшие ученые Древнего Востока – Аль-Хорезми, Улугбек, Бируни.

Одно– или двухэтажное здание медресе включает расположенные вокруг двора мечеть или молитвенный зал, аудиторию, кельи, усыпальницу основателя. При общности типа медресе отличаются по планировке и конструкции: в Средней Азии мечеть и аудитории, как правило, расположены в корпусе по обе стороны центрального портала, в Сирии и Египте они занимают помещения на центральных осях двора, в Турции дворик перекрывается куполом, в Центральной и Передней Азии обычно применяются сводчатые перекрытия, в Северной Африке – стропильные крыши.

Медресе украшают резьбой, поливным и расписным декором: медресе Улугбека в Самарканде (XV век), Мир-Араб в Бухаре (XVI век).

 

МЕЙСТЕРЗИНГЕРЫ (нем. Meistersinger – мастер пения)

В средневековой Германии (XIV–XVII вв.) так называли последователей менестрелей – странствующих поэтов-музыкантов, воспевающих доблестных рыцарей и прекрасных дам. Со временем мейстерзингеры объединялись в цеховые корпорации и певческие школы, организованные на основе специальных правил – табулатур. Строгие правила регламентировали не только всю деятельность музыканта, но и тематику, и даже строфику и ритмику песен. В праздничные дни мейстерзингеры устраивали публичные состязания, на которых лучшие получали звание мастера.

Особенно известна была Нюрнбергская школа мейстерзингеров, которую возглавлял немецкий поэт Ганс Сакс (1494–1576). Им создано более 4000 песен и поэтических сочинений. Искусство мейстерзингеров увековечил Р. Вагнер в опере «Нюрнбергские мейстерзингеры».

 

МЕЛОДЕКЛАМАЦИЯ – выразительное чтение текста (обычно поэтического), сопровождаемое музыкой (от греческого melos – мелодия и латинского declamatio – декламация).

Соединение слова и музыки уходит корнями в фольклор, точнее в фольклорный эпос. Эпические произведения у многих народов исполнялись под музыку, несколько нараспев. Как самостоятельный вид художественного творчества мелодекламация широко практиковалась еще в античную эпоху. Но как самостоятельный жанр именно музыкального искусства она сформировалась гораздо позже – в XVIII веке, в мелодрамах известного чешского композитора Й. Бендры (1722–1795). Первые же концертные мелодекламации стали проводиться в конце XVIII века.

В зарубежной музыкальной литературе известны мелодекламации Ф. Шуберта, Р. Шумана, Ф. Листа, Я. Сибелиуса, Р. Штрауса, Д. Мийо и других. В России мелодекламация как концертно-эстрадный жанр появилась лишь в конце XIX века. Большинство произведений такого рода теперь справедливо забыты. Заслуживают внимания мелодекламация А. С. Аренского (стихотворение в прозе И. С. Тургенева «Как хороши, как свежи были розы»), А. Спендиарова (монолог Сони из пьесы А. П. Чехова «Дядя Ваня»), В. Ребикова (стихотворение К. Д. Бальмонта «Белый лебедь»).

Мелодекламация – искусство синтетическое. Это слияние слова и звука, проникновение выразительных особенностей слова в музыкальную ткань и встречный процесс («Омузыкаливание» человеческой речи – вот, собственно говоря, сущность этого сложного искусства», – заметил Г. Рождественский).

 

МЕЛОДИЯ (греч. melodia – пение, песнь) – художественно осмысленный последовательный ряд музыкальных звуков разной высоты, являющийся основой музыкального образа.

Мелодия строится на музыкальных интонациях и имеет строгую ритмическую и ладовую (звуковысотную) организацию. Два основных лада отражают спокойное, печальное (минор) или светлое, жизнеутверждающее начало.

Мелодия воплощает основную музыкальную мысль, является организующим центром всего музыкального произведения, основой его идейно-эмоционального содержания. Она играет решающую роль во всех видах и жанрах музыкального искусства.

Музыкальное произведение запоминается и узнается прежде всего по основной мелодии. Многие замечательные мелодии выдающихся композиторов, основанные на естественной и богатой выразительности, представляют собой широкие, многогранные, подлинно реалистические художественные образы (тема народа в операх «Хованщина» и «Борис Годунов» М. П. Мусоргского).

Мелодическое начало составляет основу как народного музыкального творчества, так и произведений профессиональной музыки. Мелодия – «…главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без нее все бледно, мертво, несмотря на самые принужденные гармонические сочетания, на все чудеса контрапункта и оркестровки» (А. Н. Серов).

Правда, следует отметить, что произведения современной музыки далеко не всегда строятся по традиционному мелодическому принципу. Некоторые композиторы стремились отойти от него и открыть новые пути и возможности музыкальной выразительности. Это, например, произведения Э. Денисова, А. Шнитке, К. Пендерецкого. Естественно, они звучат несколько непривычно для слушателя, привыкшего к музыке, построенной на основе традиционной гармонии, но это ничуть не уменьшает их выразительности и глубины передаваемых ими чувств и мыслей.

 

МЕЛОДРАМА (греч. melos – песнь и drama – действие)

Это слово имеет несколько значений. Первое определяется переводом и обозначает жанр, занимающий среднее положение между драмой и оперой. Отсюда и характер ее исполнения: мелодрама основана на мелодекламации. Текст мог произноситься в обычной манере или мелодекламацией. Действие сопровождалось музыкой.

Мелодрама возникла во Франции в конце 1790-х годов, достигнув расцвета в 1830–40-е годы. Одну из первых мелодрам создал французский писатель Ж. Руссо («Пигмалион», 1770). Русскую мелодраму первым сочинил Е. Фомин («Орфей», 1793)

Для мелодрамы характерна острая интрига, резкое противопоставление добра и зла, преувеличенная эмоциональность. Все эти качества противоречили развитию реалистического начала, поэтому мелодрама и не стала таким же полноценным жанром, как классическая драма.

В начале XIX века произошло постепенное вытеснение мелодрамы с театральных подмостков и замена ее опереттой и музыкальной комедией. Однако на рубеже XIX–XX веков вновь пробуждается интерес к мелодраме. На ее основе возникает жанр мюзикла, сочетающий элементы комедии и оперетты.

Не забыты традиции мелодрамы и сегодня. По законам, открытым еще драматургами и композиторами XVIII века, построена современная киноаналогия мелодрамы. Она получила ироническое наименование «мыльной оперы» (из-за обилия включаемой в нее рекламы в основном нужных для хозяйки предметов бытовой химии – порошка, мыла, моющих средств).

Отрицательное отношение серьезной критики к «мыльной опере» привело к тому, что слово «мелодрама» стало не только обозначением жанра, но и оценочной характеристикой. Такие мелодрамы вполне можно отнести к явлениям массовой культуры.

 

МЕМОРИАЛЬНЫЕ СООРУЖЕНИЯ (лат. memorialis – памятный) – произведения изобразительного искусства и архитектуры, создаваемые в память отдельных лиц и исторических событий. Они достаточно разнообразны в жанровом отношении: сюда относятся гробница, колонна, мавзолей, монумент, надгробие, обелиск, памятник, пирамида, триумфальная арка.

Одними из первых монументальных сооружений явились курганы, которые насыпали на местах погребения правителей и племенных вождей. В рабовладельческих государствах Древнего Востока возникает особый тип мемориального сооружения – стела. Это каменная плита прямоугольной формы, на которой вырезается изображение и текст. Обычно стелу ставили в главном городе завоеванного государства.

В Древнем Египте главным типом мемориального сооружения являлись пирамиды. С течением времени они уступили место гробницам, в которых были статуи фараона. В Древней Греции основным типом мемориального сооружения были обелиски и храмы. Их устанавливали в честь военных побед, завершения длительных походов, окончания стихийных бедствий.

В Древнем Риме возводили разные типы мемориальных сооружений. В честь императоров устанавливались статуи, обелиски, а также памятные колонны (мемориальные колонны Траяна и Марка Аврелия). Рельефные украшения колонн рассказывали о победоносных походах императоров, поэтому мемориальные колонны иногда назывались триумфальными. Для увековечения военных побед строились триумфальные арки. Первоначально они были деревянными и использовались лишь в церемонии триумфа, но со временем их стали строить из камня и украшать рельефами, орнаментальными фризами и соответствующими надписями.

После принятия христианства основным типом мемориального сооружения становятся кресты. Их воздвигали на месте военных побед, в ознаменование избавления от стихийных бедствий. В средние века в ознаменование важных событий стали строить храмы. Иногда вместо них сооружались часовни. Этот обычай сохраняется и в наше время. Например, в ознаменование тысячелетия принятия христианства на Руси в Москве был заложен храм.

С началом Ренессанса основным мемориальным сооружением становится портретная статуя. Их воздвигают не только в честь военных побед и правителей, но и в честь наемных воинов – кондотьеров.

В эпоху классицизма на облик мемориального сооружения оказала влияние идея «светского храма». Постепенно традиционная портретная статуя заменяется архитектурным монументом, который должен органически вписываться в естественное природное сооружение или пейзажный парк. Это могла быть беседка, колоннада, башня, небольшой павильон. Основная его задача – увековечить память о событии и прославить монарха.

Храм строят лишь в том случае, когда надо увековечить память о воинах – национальных героях. Это, например, проект храма-памятника в честь победы в Отечественной войне 1812 года (архитектор А. Витберг).

В современной архитектуре мемориальные сооружения представляют собой целые архитектурно-скульптурные комплексы (иногда в сочетании с другими видами искусства) – мавзолеи, мемориальные музеи. Они предполагают ансамблевое решение данных сооружений во взаимосвязи с окружающим пространством, также во многом конструируемым архитектором. Подобным образом сооружен ансамбль Братского кладбища в Риге, 1924–1935, скульптор К. Зале, архитектор А. Бирзениек; мемориалы на месте бывших концентрационных лагерей; парижский подземный мемориал погибшим в концентрационных лагерях на острове Сите, 1961, архитектор Ж. Пенгюссон; мемориальный комплекс на Поклонной горе в Москве, руководитель проекта – З. Церетели.

 

МЕНЕСТРЕЛЬ (лат. ministerialis – находящийся на службе) Сначала во Франции и Англии так называли людей, находившихся на службе у феодала, а в XII–XIII веках менестрелями стали именоваться странствующие поэты-музыканты, находившиеся в услужении у трубадуров.

Менестрель был и аккомпаниатором у своего хозяина, и исполнителем. Его творчество включало не только песни, но и небольшие рассказы. Менестрели воспевали красоту прекрасных дам, деяния рыцарей, походы, турниры. В XIV–XVI вв. менестрелями называли и простонародных музыкантов, скитавшихся по городам и селам.

 

MECCA (лат. missa) – главное богослужение католической церкви. Большая часть текстов, входивших в мессу, читалась нараспев (речитативом) или исполнялась хором. Песнопения, входившие в мессу в средние века, были одноголосными и основывались на строго определенных церковным уставом богослужебных текстах. В православной церкви аналогом мессы является литургия или обедня.

Как духовно-музыкальный жанр месса появилась в средние века, после того, как сложилась система богослужений в католической церкви. Ранние мессы были одноголосными, поскольку в основе их музыки лежали мелодии григорианского хорала. Позднее появились многоголосные обработки песнопений и целые их циклы, написанные на традиционный текст одним композитором. В XV веке сложилась пятичастная структура мессы, которая принята и сейчас.

До появления оперы месса считалась самым монументальным музыкальным произведением. Это прежде всего «Высокая месса» И. Баха, «Торжественная месса» Л. Бетховена, мессы В. Моцарта, Дж. Россини, Ф. Шуберта, А. Брукнера, И. Стравинского, Ф. Пуленка. Эти произведения выходят за рамки культовой музыки и исполняются на концертах.

 

МЕЧЕТЬ – основное культовое здание в исламе. Само слово «мечеть» происходит от араб, масджид – место поклонения. С VII–VIII веков мечеть имела вид прямоугольного в плане здания, увенчанного куполом. Обычно основной зал, где верующие собирались для молитвы, окружали галереи и крытые террасы – айваны. Фасад мечети украшали богато орнаментированные порталы, а молитвенный зал – многочисленные колонны.

В молитвенном зале обязательно устраивали возвышение – минбар, с которого проповедники читали Коран, а также михраб – нишу, обращенную в сторону Мекки. Пол мечети всегда покрыт коврами, поэтому при входе в нее необходимо снимать обувь.

При мечети почти всегда строится минарет – высокая башня, с которой муэдзин провозглашает призыв на молитву – азан. Минареты украшались узорной кирпичной кладкой, резьбой, глазурованной керамикой, ажурными балконами.

Постепенно из отдельного здания мечеть превратилась в комплекс помещений с обширным внутренним двором. Обычно в середине двора устраивали бассейн для священного омовения. Кроме молитвенного зала в мечети обычно устраивалось книгохранилище, поскольку помещение использовалось и для преподавания основ ислама и религиозных наук. Понятно, что в исламских странах существуют мечети разной величины и значения, но в каждом городе есть наиболее крупные, так называемые пятничные мечети, куда на пятничную молитву собирается вся община мусульман.

Наиболее почитаемой мечетью является Аль-Масджид аль-Харам – заповедная мечеть в Мекке, в центре двора которой находится Кааба и священный источник Замзам. Они считаются главными мусульманскими святынями и являются объектами паломничества.

 

МИЗАНСЦЕНА (франц. mise en scene – размещение на сцене) – расположение актеров на сцене в тот или иной момент спектакля. До XIX века спектакли ставились быстро, в одну-две репетиции. Главным действующим лицом считался премьер – первый артист, который размещал актеров так, чтобы было хорошо видно как его самого, так и других участников спектакля.

Начиная с рубежа XIX–XX века развивается режиссерское искусство, и мизансцена становится тем языком, с помощью которого режиссер раскрывает содержание спектакля. С помощью выразительных мизансцен режиссер помогает и актерам. Находясь внутри мизансцены, они с большей глубиной раскрывают образы своих героев.

С другой стороны, мизансцену можно определить как своеобразный рисунок спектакля, который постепенно разворачивается перед зрителем. С помощью расстановки мебели, декораций, сценических рельефов – балконов, лестниц, подмостков – режиссер дополняет игру актеров, заставляя их перемещаться не только по плоскости, но и по высоте.

 

МИНИАТЮРА (франц. miniature, от лат. minium – киноварь, сурик) – художественное произведение (обычно живописное) малых размеров, отличающееся особо тонкой манерой рисунка. Первоначально миниатюрами называли иллюстрации, инициалы, заставки и т. д. в рукописных книгах, исполненные гуашью, акварелью и другими красками. Книжные миниатюры появились уже в Древнем Египте. Искусство украшения книги достигло высокого совершенства в средние века и было широко распространено как в Европе, так и в странах Востока.

В Древней Руси книжная миниатюра была известна издавна. До конца XIV века ее исполняли на пергаменте, преимущественно яичными красками; позднее, с распространением бумаги, она приближается по технике к гуаши и акварели. Начиная с XVI века, вслед за изобретением книгопечатания, миниатюра уступает место другим видам книжного оформления.

Постепенно это название распространилось и на живопись (главным образом портретную) малого формата, исполняемую на кости, пергаменте, картоне, бумаге, металле, фарфоре, нередко на бытовых предметах – табакерках, часах, перстнях.

Широко распространилась в XVIII в. портретная миниатюра. Ее исполняли через лупу, техникой пунктира или мелкого штриха, с применением самых разнообразных материалов (масло, эмаль, гуашь, акварель по дереву, металлу, слоновой кости, пергаменту, бумаге). На миниатюрах изображались портреты людей; таким образом, можно сказать, что в то время миниатюра заменяла собой фотографию на память.

В России портретная миниатюра появилась в Петровскую эпоху и вначале исполнялась техникой финифти. Затем художники стали использовать самые разнообразные материалы – картон, кость, металл. Наиболее крупным художником-миниатюристом начала XIX века был П. Соколов. После того как появилась фотография, миниатюра ушла из обихода, сохранившись лишь как один из видов книжной иллюстрации.

В литературе, театре, музыке, цирке, на эстраде миниатюрой называется жанр малых форм – небольшие по размеру произведения (рассказ, пьеса, водевиль, интермедия). Из отдельных миниатюр могут составляться и целые представления театра миниатюр.

В музыке миниатюрой называют небольшую оркестровую, вокальную или инструментальную пьесу.

 

«МИР ИСКУССТВА» – русское художественное объединение (1898–1924). Оно сформировалось на основе кружка молодых художников и любителей искусства, созданного в Петербурге А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. Они устраивали художественные выставки, издавали собственный журнал под тем же названием. Вокруг журнала объединился широкий круг петербургских и московских художников и критиков.

Основная установка «Мира искусства» – пропаганда «вечных ценностей» в искусстве. Поэтому они считали необходимым воспитывать своих зрителей и читателей произведениями высокого искусства, великолепным оформлением своего журнала. Вместе с тем они пропагандировали старинное русское искусство, которое становилось источником для их картин и скульптур. Но отношение «мироискусников», как их называли современники, к прошлому было творческим. Они как бы оживляли старину, с иронией передавали благородство русского ампира. «Мироискусники» создали особый жанр лирического пейзажа, окрашенного то в элегические тона (картины А. Бенуа), то в возвышенно-романтические краски. Одним из значительных мероприятий стали знаменитые «Русские сезоны», устроенные в Париже С. Дягилевым.

После 1917 года многие из членов кружка эмигрировали, продолжив свою деятельность в Париже. Другие обратились к музейной и реставрационной деятельности.

 

МИСТЕРИИ (греч. mysterion – тайна, таинство) – тайные религиозные обряды, в которых участвовали только посвященные – мисты. В Египте они посвящались Исиде и Осирису, в Вавилоне – Таммузу; в Греции – Зевсу Элевсинскому, в Риме – богине Кибеле.

Мистерии совершались ночью, при свете факелов, и включали жертвоприношение, процессии, пение, танцы, а также представление сцен из жизни божества. Отсюда и возникли массовые представления, которые впоследствии получили наименование мистерий.

Жанр достигает расцвета в середине XV века в крупнейших европейских городах. Представление, в котором участвовали все жители города, приурочивалось к церковным праздникам, ярмарке или другому торжественному случаю. Оно открывалось красочным костюмированным шествием персонажей, число которых доходило до 300. Площадками, где разыгрывалось действие, были специальные помосты, сооружаемые в центре города. Сюжет рассказывал о жизни Иисуса Христа, события которой воспроизводились на различных площадках. На одном помосте находился богато украшенный рай, на другом – ад с раскрытой пастью дракона.

Другие декорации были предельно кратки: надпись над воротами или золоченый трон обозначали город или дворец. Действие перемещалось с одной площадки на другую. Поскольку мистерии были площадным жанром, в них довольно быстро проникли элементы народной культуры. Поэтому уже в середине XVI века церковь стала запрещать их представления.

Но традиции мистерий не угасли. Они сохранились в современных карнавалах и популярных праздниках, например, шествии цветов или празднике торта.

 

МИФОЛОГИЧЕСКИЙ ЖАНР – разновидность изобразительного искусства, черпающая сюжеты из мифологий различных народов.

Важной особенностью мифологического жанра является свободная трактовка легендарных сюжетов. Он сложился еще в античном искусстве, а в эпоху Возрождения достиг расцвета. Крупные художники, например Рембрандт, придавали мифологическим образам иносказательный смысл, наполняя современным жизненным содержанием. Особенной популярностью произведения на мифологические сюжеты пользовались в период господства классицизма.

Впоследствии мифологический жанр стал развиваться главным образом в живописи и стал основным в художественных академиях. Написание картины на мифологический сюжет было обязательным условием для присуждения звания художника и получения соответствующего диплома. Авторы лучших картин отмечались стипендиями для поездки в Италию. Французская Академия живописи устраивала ежегодные конкурсы, на которые также представлялись картины на историческую или мифологическую тему.

В XIX веке мифологический жанр постепенно уступает место исторической тематике.

 

МНОГОГОЛОСИЕ – такой способ исполнения музыкальных произведений, при котором мелодия остается общей, но каждый исполнитель немного меняет ее, снижая или повышая высоту звука. В профессиональной музыке сложились определенные виды многоголосия, основанные на строгих правилах. Это прежде всего полифония (так играет, например, симфонический оркестр), гармония (так поет академический хор) и гомофония (исполнение мелодии под аккомпанемент).

 

«МОГУЧАЯ КУЧКА» – творческое содружество выдающихся русских композиторов; известно также под названием Балакиревский кружок или Новая русская музыкальная школа. Наименование «Могучая кучка» дал кружку его критик В. Стасов.

Кружок сложился в 1862 г. после Славянской этнографической выставки в Петербурге. В него входили М. Балакирев (руководитель), А. Бородин, Ц. Кюи, М. Мусоргский и Н. Римский-Корсаков. Любопытно, что никто из них не был профессиональным музыкантом: Бородин был химиком и доктором медицины, Кюи, Мусоргский и Римский-Корсаков – военными. Они развивали традиции М. Глинки и А. Даргомыжского, поэтому основным источником сюжетов их оперного творчества стала русская история. Но кроме опер композиторы этого кружка создали немало известных произведений. Это и «Богатырская симфония» Бородина, и «Шехерезада» Римского-Корсакова, и «Картинки с выставки» Мусоргского. Деятельность «Могучей кучки» стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

 

МОДЕЛЬ

У этого слова несколько значений. Сегодня так называют позирующего художнику человека (для выполнения какого-либо произведения, в том числе для этюда и наброска). Иногда под моделью подразумевают любые существа и предметы, используемые в качестве натуры. Известные модели даже открывали специальные ателье, где работали известные художники (см. Мастерская).

Второе значение пришло из античности, где в ремесленных мастерских из дерева, воска, глины или гипса изготавливали модели, именуемые «прототипом» или «формой». Они имели различное назначение: использовались для разработки канонов изобразительного искусства философами и математиками, для работы скульпторов и живописцев, для демонстрации экзотических редкостей во время триумфальных шествий.

Любопытно, что в эпоху Римской империи модель нашла применение и при реставрационных работах («зуб гиганта», найденный при императоре Тиберии в Малой Азии, был помещен в специально изготовленную голову; по приказу императора Септимия Севера был изготовлен и выставлен в Амфитеатре скелет кита).

В скульптуре моделью называется гипсовый или восковой слепок с оригинала, а также самый оригинал – если он выполнен из глины или воска. С модели снимается форма для отливки, перевода в твердый материал или увеличения.

Моделью также называется образец, служащий эталоном, стандартом для последующего массового производства. Моделью памятника называется его точное воспроизведение в уменьшенном масштабе.

 

МОДЕРНИЗМ

Данное художественное течение возникло в конце XIX – начале XX века во многих странах Европы, а позднее распространилось в Соединенных Штатах, Северной Африке, Турции и Японии. Такая широта была обусловлена тем, что модернизм был тесно связан с социальными изменениями своего времени и отразил взгляды, настроения и вкусы тех людей, которые в конце XIX века совершили подлинный промышленный переворот. Для этих новых людей: банкиров, купцов, промышленников – и создавалась культура. Не случайно стиль модерн, в котором архитектор Федор Шехтель в Москве строил многие особняки, в обиходе получил название «стиль миллионеров».

Исследователи полагают, что стиль модерн носил чисто практический характер и проявился прежде всего в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Так, в Милане, Турине, Генуе и Мантуе (Италия) он отразился в убранстве решеток и отделке зданий, в Бельгии и Британии – в использовании гладких плоскостей с растительным орнаментом.

Несмотря на эклектичность – соединение стилевых приемов разных художественных систем в рамках одного произведения или жанра, модернизм отличался рядом резко выраженных особенностей. Прежде всего это было стремление создать нечто прекрасное в рамках подражания живой природе. Тоска по всему негородскому и несовременному отразилась прежде всего в использовании растительных и морских мотивов. Такое цельное и чистое искусство должно было существовать само по себе, как нечто органически цельное.

Вместе с тем модернизм отличается поиском новых изобразительных приемов, поэтому в наши дни его нередко называют авангардом. Вместо прямой изобразительности пришло геометрическое видение мира, ломаные линии и разнообразные фигуры стали отражать сложный мир, окружавший человека.

Стремление художников найти новые, совершенно уникальные приемы воплощения воображаемого ими мира видно и в названиях нового движения – стиль модерн в России, «ар нуво» в Бельгии и Франции, «сецессион» в Австро-Венгрии, «югендштиль» в Германии, «стиль либерти» в Италии, «модерн стайл» в Великобритании, «стиль Тиффани» в США.

Большинство современных исследователей отмечают, что определение всех новаторских течений как модернистских неточно. Модернизм – это явление, связанное с определенными социальными настроениями и четко локализуемое сравнительно коротким периодом рубежа ХГХ-ХХ веков. В недрах же модернизма зародился авангард, вобравший в себя многоликую культуру XX века и взявший от своего предшественника все самое оригинальное, живое, острое, необычное, даже где-то забавное.

Элементы модернизма можно видеть и в культуре XX века (постмодернизм).

 

МОЗАИКА – изображение или узор, выполненный из однородных или различных по материалу частиц – цветного непрозрачного стекла, выдутого в виде кубиков или пластинок, керамической плитки и других; один из основных видов монументального искусства. Мозаика набирается из отдельных частиц, которые закрепляются в слое грунта.

В классический период в Греции под влиянием древне-восточных образцов также получили распространение мозаичные узоры и надписи (первоначально выполнявшиеся цветной галькой на полах). В период эллинизма и в Древнем Риме стали создавать многоцветные мозаичные композиции из кусков цветных камней и смальты.

Высокого совершенства мозаика достигла на первых этапах развития христианства и в ранневизантийский период, когда мозаичными изображениями украшали стены и своды церквей. В византийском искусстве особенно известны мозаики в церкви Сан-Витале в Равенне (около 547 г.) и в церкви Успения в Дафне (2-я половина XI века), которые заняли господствующее положение в системе живописного убранства храмов. Наборы из смальт и камней (часто полудрагоценных) не шлифовались, что позволяло добиваться глубины и звучности цвета. Мерцающая поверхность этих мозаик, их золотые фоны обогащали и зрительно расширяли реальное пространство интерьеров византийских храмов.

Вместе с принятием христианства на Русь пришло и искусство мозаики, тесно связанное с фресковой живописью. На Руси мозаику набирали, вдавливая частицы в мягкий грунт, нанесенный на декорируемую поверхность. Однако это искусство не получило широкого распространения, хотя и сегодня нас поражают своей удивительной гармонией мозаики Софийского собора в Киеве и фрагменты декора Михайловского златоверхого монастыря (XI–XII вв.). В годы татаро-монгольского нашествия это искусство было забыто.

В XVIII веке технику смальтовой мозаики возродил М. Ломоносов, под руководством и при участии которого в этой технике были созданы портреты и батальные композиции. В 1864 году при Петербургской Академии художеств было основано мозаичное отделение, выпускники которого украшали своими работами Софийский собор в Киеве и храм Христа Спасителя в Москве.

Любопытна мозаика из фигурных пластинок фанеры (различных по цвету и фактуре), которые наклеивались на основу (деревянную мебель, панно и др.). По французскому названию – маркетри (marqueterie) – легко догадаться, что наивысшего расцвета это искусство достигло во Франции, оно также было популярно в Германии в XVII–XVIII веках.

Особое развитие мозаика получает на рубеже XIX – начала XX века в керамических произведениях М. Врубеля. Эксперименты с мозаикой продолжались на протяжении всего XX века, произведения часто строились на сочетании броских локальных цветовых пятен (Р. Гуттузо, Ф. Леже, Д. Ривера, Д. Сикейрос). Поиск носил интернациональный характер.

Смальтовые композиции А. Дейнеки стали основой для многих плафонов и мозаичных панно на московских станциях метрополитена «Маяковская», «Новокузнецкая», «Киевская-кольцевая».

В настоящее время существует несколько видов мозаики. Наборная мозаика выполняется из заранее приготовленных мелких кусочков, которые соответствуют очертаниям рисунка лишь в массе. В пластинчатой или штучной мозаике элементы значительно крупнее и вырезаются в соответствии с контурами рисунка. Флорентийская мозаика состоит из плиток цветных камней. Но она не отличается такой прочностью, как другие виды мозаики, и поэтому применяется в основном для отделки мебели.

Любопытный вид мозаики был разработан уральскими камнерезами еще в XVIII веке. Он применяется для отделки камнерезных изделий и состоит в том, что на основу из прочного, но малоценного камня наклеиваются тонкие пластинки из ценных и красивых камней. Их рисунок подбирается так, что все изделие выглядит как каменный монолит. Этот прием получил название русской мозаики. Так выполнено оформление малахитовых комнат в Зимнем дворце в Петербурге, а также знаменитой Янтарной комнаты.

 

МОНАСТЫРЬ – община монахов или монахинь, принимающая единые правила жизни (устав). Первые монастыри появились в IV веке нашей эры в Египте и располагались вокруг селения Табенна по берегам Нила. Во главе каждого из них стоял начальник – игумен, который в свою очередь подчинялся игумену главного монастыря, имевшему сан архимандрита. Монастыри были как мужскими, так и женскими.

Хозяйственной частью монастыря ведал келарь, казной заведовал казначей, письменные дела вел монастырский дьяк, судебными делами занимался стряпчий. Прием в монастыри был свободным, но требовался определенный имущественный или денежный вклад. Этот порядок, сложившийся в Греции, был закреплен в ряде документов – уставов – и мало изменился до настоящего времени.

На Руси первые монастыри появились в XI столетии. Их основателями были князья, поэтому и монастыри находились в городах. Одними из первых были основаны Георгиевский монастырь (Ярославом Мудрым) и монастырь святой Ирины (его женой). Оба находились в Киеве.

Важную роль в русской культуре сыграли монастыри, основанные трудами монахов. Одним из первых был открыт Киево-Печерский монастырь. Именно в нем началось русское летописание. Особенно же много монастырей возникло в XIV–XV веках, когда началась колонизация северных районов. Монастыри стали не только центрами их освоения, но и очагами книжности и культуры.

Постепенно монастыри стали и крупными феодалами, которым принадлежали различные угодья и крепостные. Все это противоречило изначальной идее монашества и поэтому вылилось в борьбу двух группировок – стяжателей (или иосифлян, т. е. сторонников Иосифа Волоцкого) и нестяжателей (заволжских старцев). Борьба между ними завершилась в первой четверти XVI века торжеством иосифлян.

При Петре I начинается активное сокращение монастырей. В 1764 году все монастыри были разделены на три класса, а монастырские землевладения отобраны. К первому классу принадлежали четыре лавры, т. е. самых значительных монастыря – Киево-Печерская, Троице-Сергиева, Александро-Невская и Почаевская, а также ставропигиальные монастыри (подчинявшиеся непосредственно патриарху) – Соловецкий, Симонов, Донской, Заиконоспасский, Спасо-Яковлевский и Воскресенский.

При некоторых монастырях, но в небольшом отдалении от них находились кельи для более строгой и уединенной жизни. Такие поселения монахов назывались скитами.

Устраивали при монастырях и учебные заведения: например, при Троице-Сергиевой лавре находилась семинария. В настоящее время там находится Московская духовная академия. В Александро-Невской лавре также действует Санкт-Петербургская духовная академия.

После 1917 года все монастыри были закрыты, и лишь в 1943 году началось их постепенное восстановление. Окончательный же запрет на их деятельность был снят лишь в наше время.

 

МОНАШЕСТВО (греч. monos – один)

Монашество как вид служения богу появилось в первые века нашей эры на Ближнем Востоке – в Египте, Сирии, Палестине и Малой Азии. Первые монахи были отшельниками, жившими в пещерах, пустынных и труднодоступных местах.

На западе Европы такое монашество не нашло распространения: более суровый климат и необходимость зашиты от врагов привели к тому, что в Италии появились первые монашеские общежития, или монастыри.

В начале шестого века нашей эры был составлен первый устав монашеской жизни – правила, которыми регламентировалась вся жизнь монахов. Его автором был итальянский монах Бенедикт Нурсийский. По его имени этот устав стал называться бенедиктинским, а все монастыри, в которых им пользовались, образовали орден святого Бенедикта. До конца XI века бенедиктинцы представляли наиболее почитаемую и многочисленную часть европейского монашества. Основное требование, которое предъявлялось к монахам, – смирение и послушание. Но святой Бенедикт не был сторонником сурового отношения к себе и своим ближним.

Это обстоятельство привело к тому, что в конце XI века появляются новые монашеские ордены. Цистерцианский орден, или братство святого Бернара, становится объединением восторженных фанатиков веры и тонких богословов, призывавших к крестовым походам.

В начале XIII века по инициативе папы Иннокентия III появляется еще один монашеский орден – францисканский. Его основание связано с именем Франциска Ассизского. Представители этого ордена были нищенствующими монахами-проповедниками.

Примерно в это же время в Испании появляется еще один орден нищенствующих монахов – доминиканский. Его представители специализировались на борьбе с ересями и занимались церковной наукой – богословием. В ведении доминиканского ордена находилась инквизиция.

Последний по времени учреждения монашеский орден – орден иезуитов – был утвержден папой Павлом III осенью 1540 года. Его представители живут «в миру», как обычные люди, но всегда и везде остаются преданными слугами святой церкви, отстаивающими ее интересы.

(См. Ордены монашеские и рыцарские).

 

МОНОЛОГ (от греч. monos – один, logos – речь; речь, произносимая одним лицом) – одна из наиболее выразительных сольных вокальных форм в опере. С помощью монолога выражаются чувства или размышления героя, его отношение к происходящему, поиск решения. Монолог, как правило, строится из нескольких нетождественных, контрастных эпизодов. В отличие от диалога, он исполняется одним певцом.

 

МОНУМЕНТ (лат. monumentum; от moneo – напоминаю) – в изобразительном искусстве скульптурный памятник значительных размеров в честь крупного исторического события, выдающегося общественного деятеля и т. п. Нередко монумент сооружается в виде большого скульптурно-архитектурного ансамбля («Памятник бойцам Советской Армии» в Берлине работы Е. В. Вучетича) и создает архитектурный ансамбль как главный его компонент (или одна из основных составляющих).

(См. Мемориальные сооружения, Памятник).

 

МОНУМЕНТАЛЬНОСТЬ – в произведениях изобразительного искусства: глубокое художественное обобщение значительного содержания, выраженное в соответствующих формах.

Монументальность произведения обусловлена общественным значением темы, ее героическим пафосом, глубиной и силой воплощения и соответствующим художественным языком: простым, строгим, величественным и экспрессивным.

Понятие монументальности применимо не только к монументальному искусству, но и к произведениям станкового искусства, отличающимся такими качествами.

 

МОТИВ (итал. motivo – повод, побуждение и лат. motus – движение)

Первое значение слова связано с обозначением части мелодии, имеющей самостоятельное выразительное значение. Это группа звуков мелодии, объединенная вокруг одного акцента – ударения.

Второе значение общеупотребительно, и синонимом его могут быть такие слова, как напев, мелодия.

Мотивом также называют простейшую динамичную смысловую единицу повествования в мифе и сказке; например, Змей (или волшебник) похищает царевну. Комбинация нескольких мотивов составляет сюжет.

Применительно к живописи мотивом называют какое-нибудь часто встречающееся на картинах изображение. Например, лунная ночь или поднятая рука человека. Популярным мотивом батальной живописи является изображение раненого воина.

В области декоративно-прикладного искусства мотивом называют декоративный элемент, положенный в основу соответствующей композиции или ее части и многократно повторяемый в ее различных частях.

 

МУЗЕЕВЕДЕНИЕ (МУЗЕОЛОГИЯ) – научная дисциплина, изучающая теорию и практику работы музеев, их общественные функции, организацию и методику музейного дела.

 

МУЗЕЙ (греч. museion – храм муз) – научно-исследовательское или научно-просветительское учреждение, осуществляющее комплектование, хранение, изучение и популяризацию памятников естественной истории, материальной и духовной культуры. Типы музеев: мемориальные, научно-просветительские, исследовательские, учебные. Профили музеев: исторические, технические, естественнонаучные, искусствоведческие, литературные, а также мемориальные, комплексные, краеведческие.

Прообразами музеев были собрания произведений искусства в термах Древнего Рима и европейских церквях и монастырях. Систематическое коллекционирование предметов искусства началось только в эпоху Возрождения, когда появились первые музеи – галереи Уффици, Прадо, Лувр.

Формирование основных европейских музеев завершилось в XIX веке, когда они открылись для широкой публики. Это прежде всего галереи Национальная и Тейт в Лондоне, Мюнхенская пинакотека, Венский музей истории искусств, Лувр.

В России также вначале появились собрания в ризницах церквей и монастырей. С XVI века начала составляться коллекция Оружейной палаты в Кремле. В XVII веке появляются и первые частные собрания – князя В. Голицына, например. В начале XVIII века по распоряжению Петра I в Петербурге была открыта Кунсткамера – первый в России музей естественной истории. В 1764 году как частное собрание императрицы Екатерины II возник Эрмитаж.

В XIX веке наряду с частными коллекциями К. Соддатенкова, И. Остроухова, Морозовых, частично открытыми для широкой публики, начали работать и общедоступные музеи – Эрмитаж и Музей Александра III (ныне Русский музей). В Москве открылась Третьяковская галерея – первый общедоступный музей русского искусства (бывшее собрание П. Третьякова).

В 1912 году в Москве открылся и Музей изящных искусств – богатейшая коллекция памятников первобытной, древнеегипетской, античной, средневековой культуры, европейского искусства XVI–XX веков. Инициатором его создания стал профессор И. А. Цветаев. Для него были специально выполнены копии.

В 1913 году коллекционер А. А. Бахрушин передал свое уникальное собрание в ведение Российской Академии наук. С тех пор и до настоящего времени в его доме работает общедоступный театральный музей.

В настоящее время существует множество музеев самой различной направленности. В них хранят и собирают памятники культуры, ведут большую экспедиционную и научно-исследовательскую работу. Все экспонаты, собранные в музеях, составляют музейный фонд России.

 

МУЗЫ

В греческой мифологии – дочери Зевса и Мнемосины, богини-покровительницы наук, поэзии и искусств. Их было девять: Эвтерпа – муза лирической поэзии, Клио – истории, Талия – комедии, Мельпомена – трагедии, Терпсихора – танцев, Эрато – любовной поэзии, Полигимния – гимнов, Урания – астрономии, Каллиопа – эпоса. Почести им воздавались в Пиэрии, на Геликоне и в Дельфах, где были источники Ипокрена и Кастальский ключ.

Изображение муз вдохновляло многих поэтов, художников, скульпторов, музыкантов. Но чаще других к ним обращались художники начиная с эпохи Возрождения (картины Рафаэля, Боттичелли, Тинторетто, Пуссена, Лоррена), поэты, музыканты посвятили им немало произведений (опера Генделя «Мнемосина»).

 

МУЗЫКА (греч. musike) – вид искусства, отражающий действительность в звуковых художественных образах, активно воздействующих на психику человека. Музыка способна конкретно и убедительно передавать эмоциональное состояние людей. Она выражает и связанные с чувствами людей идеи обобщенного плана. При этом она тесно взаимодействует с другими видами искусства, привлекая для большей выразительности приемы других эстетических систем – художественное слово, танец.

Естественно, что музыкальная культура каждого народа обладает специфическими чертами, которые проявляются прежде всего в народной музыке (см. Фольклор). На основе народного творчества в соответствии с закономерностями эволюции общества развивается профессиональная музыка, возникают и сменяют друг друга различные школы, направления, стили, в которых по-разному осуществляется отображение эмоциональной и духовной жизни людей.

Основные элементы и выразительные средства музыки – лад, ритм, темп, тембр, мелодия, гармония, полифония, инструментовка. Музыкальное произведение записывается с помощью нот и реализуется в процессе исполнения. Музыка часто объединяется с хореографией, театральным искусством, кино. Различают музыку одноголосную (монодия) и многоголосную (гомофония, полифония).

По исполнительным средствам музыка делится на вокальную, инструментальную и вокально-инструментальную. Применяют к музыке и подразделение на роды и виды (опера, симфоническая, хоровая, камерная музыка и др.), жанры (героическая опера, комическая опера, песня, танец, марш, симфоническая сюита, кантата, соната).

Музыка играла и играет огромную роль в жизни человека. Одна из главных ее функций – объединять людей, поскольку язык музыки понятен без перевода. Откуда же она появилась?

Раньше всего возникла народная музыка. Первоначально звуки первых инструментов (они были ударными) сопровождали утомительный и однообразный труд. Затем появилась военная и культовая музыка. Еще в Древней Греции музыканты подавали сигналы войскам и играли в храмах. Так постепенно сформировались две основных составляющих музыки – профессиональная и народная. Со временем к ним добавилось и деление музыки на культовую и светскую.

Музыка одной страны может оказывать влияние на культуру других стран, носить интернациональный характер. Например, со времен Возрождения большая часть Европы попала под влияние итальянской музыки. В эпоху Просвещения преобладало увлечение французскими мелодиями, а в XX веке музыка всех стран испытала сильное влияние культур Азии, Африки и Латинской Америки.

Музыкальная культура Древней Руси вплоть до XVII века также состояла из двух параллельных пластов. С одной стороны, это была народная музыка, главным жанром которой была песня. Правда, мы немного знаем о том, какие песни исполнялись в Киевской Руси, потому что первые записи были сделаны только в XVIII веке.

Вторым пластом была музыка церковная. Она появилась на Руси одновременно с распространением христианства и также была вокальной. Христианское богослужение требовало сложной и разветвленной системы различных песенных жанров. Церковные песнопения существенно различаются по способу исполнения: их мог петь хор, солист, солист вместе с хором или два хора. Их музыкальная сторона непрерывно совершенствовалась вместе с развитием всей русской музыки.

В конце XVII века на основе псалмов был создан особый жанр – духовный концерт. Он развивался и совершенствовался на протяжении всего последующего времени. Среди его авторов были крупнейшие композиторы XIX-ХХ века – П. Чайковский, И. Стравинский, П. Чесноков, С. Рахманинов.

Музыка – такое искусство, в котором всегда переплетается старое и новое, национальное и интернациональное. Немецкий композитор Бах не вырос бы в мирового гения без итальянца Вивальди, а Чайковский – без Моцарта и Шумана, Дебюсси – без Мусоргского, Скрябин – без Вагнера. И список этот можно было бы продолжать и продолжать.

 

МУЗЫКА АТОНАЛЬНАЯ

Так принято называть музыку, написанную вне ладовой организации. Основным принципом атональной музыки является полное равноправие тонов и отсутствие традиционных связей между ними.

Классическая музыка строится на основе системы мажорно-минорного лада. Он регулирует соотношения между всеми звуками в произведении. С этим связаны и особенности композиции и структуры традиционных жанровых разновидностей музыки.

Однако в начале XX века некоторые композиторы начали отходить от этой системы, показавшейся им слишком жесткой. Так постепенно родилась атональная музыка. Ее черты можно увидеть в симфониях А. Н. Скрябина, но наиболее полное выражение она получила в творчестве австрийского композитора А. Шёнберга. В 1922 году он выступил с новым методом музыкальной организации – додекафонией, построенной на системе из двенадцати соотнесенных между собой звуков. Для нее был характерен отказ от привычной гармонии, опора исключительно на диссонантные звучания («эмансипация диссонанса») и невозможность модуляций. Отдельные атональные эпизоды можно встретить в позднеромантической и в импрессионистической музыке. Расширение сферы атональности особенно характерно для музыкального экспрессионизма. Однако не все композиторы поддержали это нововведение. Как основополагающий принцип атонализм утвердился в творчестве композиторов новой венской школы (А. Шёнберг, А. Берг, А. Веберн).

 

МУЗЫКА БЫТОВАЯ

Бытовая музыка появилась тогда, когда профессиональная светская музыка, выросшая на основе бытового музицирования, стала самостоятельной областью искусства. Для нее были необходимы профессиональные исполнители, специальные концертные помещения, композиторы.

Однако никогда не существовало разрыва между профессиональной и бытовой музыкой. Более того, композиторы всех времен и народов опирались в своем творчестве на мелодии популярных песен и танцев. Например, И. С. Бах является автором множества сочинений, предназначенных для домашнего исполнения.

Подобная музыка получила название камерной, поскольку была рассчитана на звучание в небольшом помещении. Ее писали также И. Гайдн, В. Моцарт, Л. Бетховен, Ф. Шуберт, А. Алябьев, А. Турилев, А. Даргомыжский, П. Чайковский, С. Прокофьев, А. Варламов.

Наиболее популярные жанры русской бытовой музыки – песня и романс, а также небольшая инструментальная пьеса, обычно предназначенная для фортепиано. К шедеврам этого жанра относится, например, цикл «Времена года» П. И. Чайковского.

 

МУЗЫКА ВОЕННАЯ

Военная музыка возникла очень давно. Как и вся остальная музыка, она появилась тогда, когда возникла необходимость в слаженном движении многих людей. Первыми музыкальными инструментами были ударные – барабаны и литавры, помогавшие выдерживать нужный темп во время марша. Кроме барабанов применялись и духовые инструменты, звуки которых были слышны на большом расстоянии. Различного рода трубы использовались и для подачи сигналов на перестроение и передвижение войск.

Из государств Древнего Востока музыкальные инструменты распространились в странах античной культуры. Греческие воины знали такие музыкальные инструменты, как труба (салпинкс) и горн (кохлос), применяя их для подачи сигналов в походе и атаке. Судя по сохранившимся литературным и художественным памятникам, наиболее широко использовался салпинкс.

В Риме военная музыка отличалась жанровым разнообразием, хотя и была заимствована у греков и этрусков. Именно в Древнем Риме впервые было введено в практику музыкальное сопровождение марша войск во время триумфа. Однако военных оркестров в то время еще не существовало, хотя об объединениях трубачей и горнистов известно уже в VI веке до н. э.

Римляне создали систему разнообразных сигналов для оповещения и управления войсками на поле боя. Трубачи играли тревогу, подавали сигналы к атаке, при несении охранной службы, а также и по различным торжественным поводам – во время триумфальных шествий, похорон и гражданских праздников. Горнисты подавали сигналы знаменосцам и воинам, несшим знаки легионов, а на поле боя они действовали вместе с трубачами.

Сегодня военная музыка – это музыка, исполняемая во время военных парадов (и других торжественных военных церемоний), строевых занятий, походов и т. д. Основным жанром военной музыки является марш. Он организует шаг, придает происходящему особую торжественность. Одновременно с маршем часто звучит и песня – строевая, походная, героическая. Некоторые из них становились символом своего времени, например, «По долинам и по взгорьям…»

Со становлением военной музыки связано и развитие военных оркестров, которые выполняли самые разнообразные функции, в том числе и развлекательные – во время народных гуляний и праздников.

 

МУЗЫКА ВОКАЛЬНАЯ (ит. vocale – голосовой)

Так называется музыка для пения с инструментальным сопровождением или без него.

Границы вокальной музыки необычайно широки: это народная песня (с инструментальным сопровождением или без него); романс, многочисленные ансамбли (дуэты, трио, квартеты и т. п.), хоры. Подобный жанровый диапазон обусловлен происхождением и бытованием вокальной музыки – от древнейших обрядовых заклинаний до церковных распевов средневековья (см. А капелла). Вокальная музыка составляет основу таких монументальных жанров, как опера, оратория, кантата.

Но главным действующим лицом вокальной музыки остается исполнитель. Имена выдающихся певцов навсегда вошли в историю музыки: Д. Гризи и А. Патти (XIX век), И. Козловский, С. Лемешев, Н. Обухова, М. Кабалье, Д. Фишер-Дискау (XX век). Чтобы достичь высокого мастерства, исполнителям приходится много работать. Тренировка заключается во владении дыханием, мышцами горла, рта и лица. Но и после обучения певцам приходится соблюдать определенный режим и график работы.

Владение вокалом можно считать искусством, поскольку оно требует от певца не только техники, но и вдохновения, без которого невозможен подлинный артистизм. Только тогда ему удается покорить слушателей, входящих в мир звучащей музыки, исполняемой голосом. Существуют десятки методик обучения пению. Преимущество обычно отдается существующей в течение ряда столетий итальянской методике. Это тонкое и кропотливое искусство, сформировавшееся на протяжении трех-четырех столетий. Под влиянием итальянской сложились и другие певческие школы, например русская. Для итальянской школы характерно филигранное владение дыханием, позволяющее передать тончайшие нюансы мелодии. Для русской – широта, свобода и распевность, идущие от мелодики народной песни.

Кроме индивидуального пения существует и коллективное. Обычно подобный вокальный ансамбль называют хором. О хоровой музыке можно прочитать в отдельной статье. Здесь же отметим роль небольших вокальных ансамблей – дуэтов, трио, квартетов, октетов (по числу исполнителей). Они бывают как мужскими или женскими, так и смешанными. Возникли они прежде всего в эпоху Ренессанса, позже в XVIII и XIX веках домашнее и салонное музицирование включало в себя и ансамблевое пение. Конечно, подобное совместное пение во многом было обусловлено укладом жизни и было особенно распространено в те дни, когда других развлечений не было.

Несколько слов нужно сказать о вокально-инструментальных ансамблях, это любое камерное пение с сопровождением инструментов. В современных условиях оно чаще всего ассоциируется с образом поющих гитаристов, исполняющих эстрадную, поп – и рок-музыку. Однако само понятие вокально-инструментальной музыки гораздо шире и древней, чем наши ВИА.

Одним из наиболее популярных жанров вокальной музыки является вокальный цикл. Так называют ряд романсов или песен, связанных единством темы или образно-художественного замысла. В классической музыке встречаются циклы различного масштаба (от 3–4 произведений до 20 и более).

Первый вокальный цикл «К далекой возлюбленной» был создан Л. Бетховеном. Замечательные образцы этого жанра были созданы немецкими композиторами первой половины XIX века Ф. Шубертом («Прекрасная мельничиха», «Зимний путь») и Р. Шуманом («Любовь поэта», «Любовь и жизнь женщины»).

Вокальные циклы привлекали внимание и русских композиторов. Одним из первых к этому жанру обратился М. И. Глинка. В середине XIX века появились вокальные циклы А. Г. Рубинштейна, П. И. Чайковского. Особенно известны циклы М. П. Мусоргского «Детская», «Песни и пляски смерти», «Без солнца». Из произведений, созданных в XX веке, можно назвать вокальный цикл И. Стравинского «Симфония псалмов», а также произведения Д. Шостаковича (на стихи М. Буонаротти), Г. Свиридова (на стихи Р. Бернса), В. Гаврилина и др.

 

МУЗЫКА ДУХОВНАЯ – это музыка, исполнение которой связано с определенным религиозным культом. Понятно, что на протяжении истории человечества обрядовая сторона религии неоднократно менялась, поэтому в разные эпохи складывались совершенно различные представления о духовной музыке. Более того, достаточно долго музыка, связанная с религиозным культом, даже не осмысливалась как самостоятельный вид творчества. Естественно, что из этого вовсе не следует, что ее не было. Мы знаем, что обрядовые песни, например, существовали уже в первобытные времена, не менее развита была духовная музыка и у древних греков.

Но только в средние века она выделилась в самостоятельное направление музыкального искусства, нередко противопоставляемое всем остальным. Начиная с VI века, когда папа римский Григорий I создал свод церковных гимнов на библейские тексты, духовная музыка стала важнейшей составной частью европейской музыкальной культуры. Аналогичный канон был разработан и в греческой церкви, только назывался он по-другому – знаменное пение, в соответствии со способом записи – с помощью особых знаков: знамен и крюков.

Понятно, что, несмотря на жесткие рамки канона, духовная музыка все же менялась со временем. Правда, происходило это достаточно медленно. Только в XV–XVI веках на смену одноголосному пению пришло многоголосие. Произошло это под влиянием интенсивного развития музыки светской, не связанной столь жесткими рамками религиозных догматов.

Важно заметить, что нередко одни и те же композиторы писали произведения как для церкви, так и для светского исполнения. Вот почему мессы Моцарта так напоминают его оперы.

Несколько по-иному протекал этот процесс в православной церкви. Там влияние светской культуры было гораздо меньше. Вот почему в современных католических храмах исполняются рок-мессы, а в православных – нет. В православных храмах так и не появились музыкальные инструменты и духовная музыка осталась лишь хоровой. И многоголосное пение появилось здесь гораздо позже, только в XVIII веке, а старообрядцы до сих пор поют по правилам одноголосного, знаменного распева.

Тем не менее православная духовная музыка тоже менялась. Уже в начале прошлого века прочно утвердился жанр духовного хорового концерта. Первые композиторы, обратившиеся к этому жанру (М. С. Березовский, Д. С. Бортнянский), стремились наполнить его интонациями светской музыки. Этот жанр и стал одним из предшественников русской оперы, поскольку хор по сути разыгрывал целый спектакль со своим сюжетом.

Начиная с середины XIX века к духовной музыке обращаются многие крупные композиторы – П. Чайковский, а позже С. Рахманинов и И. Стравинский. Их произведения до сих пор продолжают исполнять как в храмах, так и в концертных залах.

 

МУЗЫКА ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ – искусство исполнения с помощью любых музыкальных инструментов.

Инструментальную музыку следует отличать от вокальной, исполняемой человеческим голосом. Она превосходит инструментальную музыку в непосредственности, но значительно уступает ей в разнообразии тембров, диапазоне, богатстве комбинаций звуков. Полагают, что выразительные возможности инструментальной музыки неисчерпаемы и ей подвластны самые разнообразные эмоции и образы. Древние греки считали, что именно инструментальная музыка является высшей ступенью музыкального искусства.

 

МУЗЫКА КАМЕРНАЯ (итал. camera – комната)

Значение этого понятия менялось. Первоначально в XVIII в. так называлась светская музыка, чтобы отличить ее от музыки церковной. Отсюда и ее название – музыка, предназначенная для исполнения в ограниченном пространстве, например в комнате. В отличие от духовной, камерная музыка была преимущественно инструментальной. Однако она звучала не только в концерте или театре, но и во время увеселительных прогулок на небольших гребных или парусных корабликах – ботах. Так появился особый жанр – «музыка на воде». Полагают, что «пленэрная музыка» (от франц. plein air – вольный воздух) тоже происходит от музыки камерной, только пространство теперь стало парковым.

Камерная музыка и камерное музицирование находятся в одном ряду. Музыка, исполнявшаяся в небольшом помещении, связывалась с игрой небольшого количества музыкантов. Обычной формой такого произведения была соната, которую так и называли – sonata di camera – камерная соната. Поскольку она чаще всего звучала в аристократических усадьбах, ее называли и придворной сонатой. Любопытно, что при аристократических дворах были даже специальные должности камер-музыкантов. Музыку для них писали крупнейшие композиторы – И. С. Бах, В. А. Моцарт, Г. Ф. Гендель.

С течением времени значение слова «камерный» изменилось, и причиной тому было увеличение концертных возможностей инструментов, появление симфонических оркестров и специально написанных для них произведений. Термин «камерный» стали относить лишь к произведениям, рассчитанным на небольшое количество исполнителей и ограниченный круг слушателей, предназначенных для исполнения в сравнительно небольших концертных залах музыкантами-солистами или ансамблями из нескольких участников. Такая музыка отличается утонченностью, особым изяществом, доверительностью исполнения. Ведь она должна дойти до каждого зрителя, которого исполнители видят прямо перед собой.

Несмотря на ограниченные возможности камерной музыки, существует достаточно много ее жанров и форм: сонаты, дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты и т. п., романсы, разнообразные миниатюры (ноктюрны, прелюдии, интермеццо). Камерными могут быть также концерты, кантаты, фантазии, сюиты, фуги. В XX веке стали писать произведения, которые так и называются – «камерная музыка».

По характеру исполнения камерная музыка может быть вокальной, инструментальной, смешанной, ансамблевой и сольной, хоровой, оркестровой и даже театральной. Это же название закрепилось и за музыкальными коллективами, которые специализируются на ее исполнении. Например, Камерный хор под управлением В. Полянского, Камерный оркестр В. Третьякова, Московский камерный музыкальный театр Б. Покровского.

Очевидно, что граница между камерным и другими видами искусства не всегда четко прослеживается и достаточно условна. Так, симфонии Моцарта с одинаковым успехом могут исполнять и симфонические, и камерные оркестры.

 

МУЗЫКА КЛАССИЧЕСКАЯ

Первоначально деление музыки на классическую и легкую отсутствовало. Вначале вся музыка была лишь духовной, и что считать образцом – определяла церковь. Но с появлением музыки светской – а это произошло в XV веке – репертуар музыкальных произведений начал расширяться, и вскоре появилось множество произведений, предназначенных для развлечения и отдыха слушателей. Обычно они имели незамысловатую форму и танцевальный ритм. Постепенно за подобными произведениями и закрепилось наименование легкой музыки. Другое представление сложилось о классической музыке. Это преимущественно произведения, написанные для исполнения оркестром или ансамблем музыкантов, а также те, которые лучше слушать не дома, между делом, а в специальном помещении, где ничто не отвлекает от их восприятия.

Основная особенность такой музыки – сочетание глубины передаваемых переживаний и разнообразие художественных приемов. Классическая музыка занимает ведущее место в музыкальной культуре мира и развивается начиная с середины XVII века до настоящего времени.

Основными инструментами для исполнения классической музыки считаются струнные: виолончель, пианино, среди духовых – флейта, гобой, кларнет, среди медных – валторна, труба, среди ударных – литавры, цимбалы, барабан, треугольник.

Классической считается музыка оперетты, оперы, балета, ораторий, концертов и симфоний.

Но если мы считаем сочинения Баха классикой, то почему классической нельзя считать и музыку «Битлз»? Все, конечно, решит время.

 

МУЗЫКА КОМПЬЮТЕРНАЯ

Современные компьютеры успешно применяются в самых разнообразных областях культуры, можно их использовать и в музыкальной практике. С их помощью стало возможным не только синтезировать различные музыкальные звуки, но и формировать из них музыкальные произведения. Как это делается?

Любое действие компьютера определяется заложенной в него программой. Для того чтобы машина смогла «сочинять», в ее память закладываются элементы музыкального языка, переведенные на язык ЭВМ, а также все возможные типы и приемы соединения звуков. Программы строятся как суммы композиционных приемов, свойственные тому или иному музыкальному стилю или инструменту, а также уже созданным музыкальным произведениям.

После обобщения всех этих сведений машина может на основе заданного ей (или подобранного путем выбора) исходного созвучия сочинить соответствующий программе фрагмент. Естественно, что музыка при этом получается композиционно завершенной, но безликой, предельно соразмерной в своих частях, но несколько монотонной.

Поэтому гораздо чаще компьютерным сочинением занимаются не музыканты, а математики, которые ищут все новые области для совершенствования своих машин. Подобные эксперименты тем не менее имеют и важное практическое применение. При соединении машины, вооруженной такой программой, принтера и магнитофона получается музыкальный компьютер, с помощью которого можно размножать музыкальные партитуры, производить их инструментовку – разделение по партиям для различных инструментов, обучать музыкально-теоретическим дисциплинам.

Что же касается главного – сочинения музыки, то оно обеспечивается не столько знанием правил, сколько душой ее создателя, а ее ввести в машину невозможно. Правда, программированием пользуются при игре на электронном синтезаторе.

 

МУЗЫКА КОНКРЕТНАЯ (франц. musique concrete) – музыкальные произведения, создаваемые посредством записи на магнитофонную ленту природных или искусственных звучаний.

Первый опыт создания такого произведения был осуществлен французским инженером-акустиком П. Шеффером в 1948 г., но широкого распространения она не получила. Конкретную музыку чаще всего используют для озвучания художественных фильмов – ведь не всегда в нужную минуту идет дождь с громом или поют птицы.

Однако постепенно понятие закрепилось за конкретными произведениями, создающимися на основе разнообразных акустических преобразований. При этом используемые искусственные и природные звучания могут смешиваться. В основе данной музыки лежит обыгрывание возможностей звука.

Любопытно, что в последние годы вновь повысился интерес к подобной музыке. Например, последняя модель музыкального центра, созданного фирмой «Самсунг», позволяет накладывать на прослушиваемую мелодию щебет птиц, шум леса или морского прибоя. Психологи установили, что такое сочетание усиливает акустическое воздействие музыки на слушателя.

 

МУЗЫКА ЛЕГКАЯ

Представление о легкой музыке возникло в те времена, когда появились различные виды музыкальных произведений. Первоначально вся музыка была народной и делилась лишь постольку, поскольку ее исполнение приурочивалось к определенным обстоятельствам. Но с течением времени кроме народной появилась и музыка, сочиненная композиторами.

Первыми выделились церковные песнопения – их содержание и форма строго контролировались руководством церкви. Затем появилась и светская музыка, исполнение которой не было связано с совершением богослужения. Например, Иоганн Себастьян Бах писал музыку и для исполнения в церкви, и по самым различным поводам на заказ. Так же поступали и другие композиторы. Музыка была одним из самых популярных видов развлечений.

Музыкальный репертуар постепенно расширялся, и в нем выделилась особая группа произведений, предназначенных для развлечения и психологической разгрузки. Именно за ними и закрепилось название легкой музыки. В XV–XVI веках для развлечения использовалась лишь народная музыка, а также и та, что сочинялась по образцам народной. Само же понятие о музыке легкой и музыке серьезной появилось лишь под воздействием эстетики классицизма, который впервые ввел четкое жанровое деление в литературе. Оно было распространено и на музыку. Кроме серьезной оперы, появилась оперетта.

Основные жанры легкой музыки сложились на протяжении XIX века. После появления мюзик-холлов, варьете и кафе появились различные виды произведений – песня, танец, музыкальная сценка.

Существование «низких», «легких» жанров – объективная закономерность развития человеческой культуры. Без комедии не может быть трагедии, без песни – оперы, без танца – симфонии, без частушки – поэмы, без анекдота – романа. В настоящем искусстве взаимопроникновение жанров очень глубоко. Дело лишь в том, что ни один из жанров не должен вытеснять другой, у каждого из них свое место и свое назначение. Равновесие в понимании низкого и высокого приводит и к полезному обмену ценностями. Нарушение же связи между ними крайне вредно. Высокое искусство усложняется и постепенно превращается в элитарное, а легкое – превращается в массовую продукцию.

 

МУЗЫКА НАРОДНАЯ (см. также Фольклор)

Как и любой другой вид фольклора, народная музыка появилась в глубокой древности. Ее появление было вызвано совершенно конкретными целями – укачать ребенка, выразить радость или горе, вымолить у природы дождь или солнце, урожай, тепло, облегчить однообразный физический труд, приворожить любимого.

С течением времени у каждого народа сложился собственный пласт музыкального фольклора. Поскольку у различных народов он возник в сходных условиях, основные приемы и образцы во многом сходны.

Естественно, фольклор, так же как и вся культура, меняется с течением времени. Но главное – его древняя основа – остается неизменной и передается из уст в уста, из поколения в поколение. Нередко песня, ставшая массовой, переходит в устную форму бытования, получает новые слова или мелодию. Так, известно более ста вариантов песни о Катюше, причем последние записаны совсем недавно.

Правда, в современных условиях традиционный фольклор постепенно уходит, потому что не может выдержать конкуренции с массовой культурой и потоком информации, которую обрушивает на нас радио и телевидение. Поэтому островков живого, живущего музыкального фольклора, тех, кто является носителями народной музыки, остается очень мало. Чтобы сохранить их, и организуются многочисленные экспедиции, которые фиксируют произведения фольклора, еще сохранившиеся в живом бытовании.

Роль музыкального фольклора в культуре очень велика. Великие композиторы постоянно отмечали, что источником их искусства является народное творчество; основоположник русской классической музыки М. Глинка любил повторять: «Создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем (обрабатываем)». Об этом же писал и П. Чайковский: «Что касается русского элемента в моей музыке, то есть родственных с народною песней приемов в мелодии и гармонии, то это происходит вследствие того, что я с детства… проникся неизъяснимой красотой характеристических черт русской народной музыки, что я до страсти люблю русский элемент во всех его проявлениях, что, одним словом, я русский в полнейшем смысле этого слова».

 

МУЗЫКА ПРОГРАММНАЯ

Инструментальная музыка всегда чем-то загадочна для слушателей. Каждый воспринимает ее по-своему, у разных слушателей она рождает свой круг представлений. Но иногда композитор считает необходимым в той или иной степени направить ее восприятие в нужном для него направлении. Обычно это те произведения, которые очень важны для композитора или вызваны весьма значительными причинами. Это, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза, представляющая взволнованное обращение автора к своей возлюбленной.

Программность произведения чаще всего отражается в его названии. Для того чтобы у слушателя создалось необходимое настроение, композитор часто пишет и специальную словесную программу (или литературный комментарий), направляющую и конкретизирующую восприятие музыки. В некоторых, правда достаточно редких, случаях композитор подбирает текстовый ряд для своего произведения. Так, в частности, поступил Д. Д. Шостакович, работая над 14 симфонией.

Многие программные сочинения вызваны обращением к сюжетам и образам выдающихся литературных произведений (симфония «Манфред» П. И. Чайковского, «Фауст-симфония» Ф. Листа), историческим сказаниям и легендам (симфония «Илья Муромец» Р. М. Глиэра), сказочной фантастике («Ученик чародея» Дюка).

Особо необходимо отметить параллели с другими видами искусств, образы, навеянные изобразительным искусством («Картинки с выставки» М. П. Мусоргского), пейзажными зарисовками («Море», «Облака» К. Дебюсси).

Иногда, правда, бывает и так, что композитор сначала пишет музыку, а затем подбирает ей название, вызывающее у слушателя определенные ассоциативные ряды («Пасторальная симфония» Л. Бетховена, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза, произведения Р. Шумана, К. Дебюсси).

 

МУЗЫКА ТАНЦЕВАЛЬНАЯ – музыка, предназначенная для сопровождения танцев, а также концертная музыка, созданная на танцевальной основе, но имеющая самостоятельное художественное значение.

Сопровождающая танцы музыка может быть вокальной, вокально-инструментальной, чисто инструментальной. В узком смысле слова танцевальной именуют легкую музыку, которая сопровождает бытовые или бальные танцы. Из всех жанров и сфер музыкального искусства танцевальная музыка (и, наряду с ней, песня во всех ее разновидностях) наиболее тесно связана с бытом, а потому она и наиболее чутко реагирует на веяния времени и моды.

Вместе с тем жизнь танцевальной музыки намного продолжительнее, чем танцев. Она долгое время сохраняется в виде инструментальных и вокальных жанров. Такие танцы, как сарабанда, менуэт, полонез, давно вышли из употребления, а музыка от них продолжает использоваться композиторами.

По стилю танцевальная музыка представляет собой синтез приемов народной и профессиональной музыки. Она отличается четкой ритмической структурой, ясным мелодическим рисунком. Поэтому танцевальные мелодии часто становятся основой для различных вариаций (например, характерных танцев в балете).

 

МУЗЫКА ТЕАТРАЛЬНАЯ – музыка, созданная (либо скомпилированная из классических или современных произведений) для сопровождения спектаклей драматического театра. С давних пор она включала в себя как номера, вынесенные за пределы сценического действия (увертюра, антракты, заставки), так и фрагменты внутрисценические (по характеру и форме они крайне многообразны). В наши дни редкий драматический спектакль обходится без музыки, которая, как правило, несет на себе определенную, а иногда и очень важную эмоционально-психологическую нагрузку. Между тем вплоть до конца XVIII века театральная музыка была лишь косвенно связана с содержанием пьесы и нередко «перекочевывала» из одного спектакля в другой.

Положение изменилось со времен Л. Бетховена. Он создал замечательную музыку к трагедии И. Гете «Эгмонт» (1810). После этого музыку для театра сочиняли многие крупнейшие композиторы. Созданные ими произведения впоследствии обретали самостоятельную концертную жизнь. Это музыка Ф. Шуберта к драме Г. Шези «Розамунда» (1823), Ф. Мендельсона к комедии У. Шекспира «Сон в летнюю ночь» (1830), Э. Грига к драме Г. Ибсена «Пер Гюнт» (1874–1875), Ж. Бизе к драме А. Доде «Арлезианка» (1872), М. И. Глинки к драме Н. В. Кукольника «Князь Холмский» (1840), М. А. Балакирева к трагедии У. Шекспира «Король Лир» (1859–1861), П. И. Чайковского к весенней сказке А Н. Островского «Снегурочка».

Замечательные образцы театральной музыки созданы советскими композиторами; среди них – музыка Д. Д. Шостаковича к пьесе В. В. Маяковского «Клоп» (1930), С. С. Прокофьева к постановке «Египетских ночей» А. С. Пушкина (1935), Т. Н. Хренникова к комедии У. Шекспира «Много шума из ничего» (1936), А. И. Хачатуряна к драме М. Ю. Лермонтова «Маскарад» (1937), Г. В. Свиридова к драме А. К. Толстого «Царь Федор Иоаннович» (1973) и другие.

 

МУЗЫКАЛЬНАЯ ДРАМА

С течением времени содержание этого понятия менялось. До XIX века оно было одним из ранних названий оперы. Таковыми, например, в XVI веке считали оперу Я. Пери и Дж. Каччини «Дафна и Эвридика». Особенностью такой драмы было пение текста под музыку. «Драмой на музыку» называли «Коронацию Помпеи» К. Монтеверди, «Дидону и Энея» Г. Перселла, «Креонта» Д. Бортнянского, оперы XVII–XVIII веков.

В XIX веке понятие приобрело современное его значение. Так стали называть оперу, построенную по типу драмы, то есть с непрерывным сценическим действием, отсутствием или ограниченным числом отдельных номеров – арий, танцев. Музыка здесь подчинена драматическому действию, помогает раскрыть его внутренние причины.

Музыкальными драмами (начиная с «Лоэнгрина» (1848) называл свои оперы Р. Вагнер. Он же разработал фундаментальную теорию музыкальной драмы. Народной музыкальной драмой назвал «Хованщину» М. П. Мусоргский. Этим он хотел подчеркнуть, что ее сюжет взят непосредственно из русской истории, а главным героем является народ. Музыкальными драмами следует считать отдельные оперы П. И. Чайковского и Дж. Верди.

Третье значение связывалось с обозначением драматического произведения, в котором видное место занимала музыка. Такие музыкальные драмы в средние века создавались в Индии, Китае, некоторых европейских странах.

В республиках Средней Азии музыкальными драмами называют сценические произведения, в которых большое место занимают вокальные и инструментальные номера (обычно народно-песенного характера). Такова узбекская драма «Фархад и Ширин» с музыкой В. Успенского и Г. Мушеля.

 

МУЗЫКАЛЬНАЯ КОМЕДИЯ (см. также Оперетта)

Обычно так называют разновидность комедии. Ее отличительным свойством является сочетание комедийного содержания с музыкальным его исполнением. Этот термин применяется к водевилю, зингшпилю, комической опере, мюзиклу, опере-буффа, оперетте. Кроме того, существует и самостоятельный жанр музыкальной комедии. Главным в нем являются музыкальные номера, в основном песни, танцы, обычно эстрадного характера. Они добавляются к основному действию и служат средством дополнительной характеристики событий или действующих лиц.

Получив распространение в конце XIX – начале XX века, этот жанр стал ведущим в киноискусстве, прежде всего в исторически напряженное, нестабильное в экономическом отношении время – с 30 по 50-ые годы XX века. Примером могут служить прежде всего кинокомедии с музыкой И. Дунаевского. Подобные же фильмы были созданы также и в США – «Серенада солнечной долины».

 

МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА – принятое название строения музыкального произведения, соотношения его частей.

Строение каждого произведения индивидуально. Но поскольку многие произведения существуют очень давно и появились в общих исторических условиях, некоторые элементы их музыкальной формы похожи. Из них постепенно и сложились типовые музыкальные формы.

Наименьшая смысловая и структурная единица музыкальной формы – мотив, часть мелодии, обладающая определенным музыкальным содержанием. Обычно мотив состоит из одного акта. Два и более мотива образуют относительно законченное музыкальное построение, называемое фразой. Из фраз складывается предложение. Два предложения (иногда и более) составляют законченный раздел, который завершается кадансом. Такое построение называется периодом. Обычно периоды состоят из 8 или 16 актов. Многие мелкие пьесы представляют собой один период. Но обычно музыкальные произведения состоят из цепи периодов.

Простая двух– или трехчастная форма характерна для вариаций, рондо, сонат и др. Это как бы те обязательные части, к которым каждый автор добавляет свой набор изобразительных и стилевых средств.

По характеру исполнения формы делятся на полифонические и гомофонические. К первым относятся фуга, всевозможные каноны, вариации, концерты. Ко вторым – сонатная форма со всеми ее разновидностями, рондо, трехчастная форма, двухчастная форма, куплет, тема с вариациями.

Встречается и циклическая форма, представляющая собою ряд последовательно расположенных нескольких завершенных пьес. К циклическим музыкальным формам относятся сюита, сонатный цикл (в виде сонаты, инструментального ансамбля, если он не имеет специального названия), симфония, концерт. Части циклических произведений строятся в какой-либо из вышеуказанных форм – сонатной, рондо, трехчастной и т. п.

 

МУЗЫКАЛЬНОЕ ОФОРМЛЕНИЕ – музыка, сопровождающая драматический спектакль, фильм, радиопостановку. Часто эти мелодии становятся своеобразными визитными карточками произведения. Иногда произведения, написанные в качестве музыкального оформления, например, спектаклей получают и самостоятельное распространение. Так произошло с замечательной музыкой Э. Грига к драме Г. Ибсена «Пер Гюнт» или с вальсом А. Хачатуряна к пьесе М. Ю. Лермонтова «Маскарад», исполняющимися в концертном варианте.

Но наиболее часто это происходит с песнями из кинофильмов, которые становятся массовыми песнями. Так было с песнями из фильмов «Шербурские зонтики», «Серенада солнечной долины», «Я шагаю по Москве» и многими другими.

(См. Мотив).

 

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ – предназначены для извлечения ритмически организованных и фиксированных по высоте звуков или воспроизведения сознательно регулируемого ритма. Возникли в древности (рога и примитивные флейты эпохи палеолита, односторонние барабаны неолитической эпохи и другие).

Древние греки знали самые разнообразные инструменты – струнные (лиры, альфы и лютни), духовые (авлос, образцом которого является двуствольный инструмент типа свирели), сиринга (флейта Пана), салпинкс. Они использовались как сольный или аккомпанирующий пению инструмент (так, четырехструнная лира упоминается в поэмах Гомера). Известны были и ударные инструменты, на которых играли во время отправления культов.

Римляне усовершенствовали многие инструменты греков. Любопытно, что в поздней античности музыкальные инструменты использовались и как ансамблевые для исполнения массовой музыки.

Музыкальные инструменты условно делят на народные и профессиональные (большинство профессиональных созданы в результате усовершенствования народных).

(См. Духовые инструменты, Струнные музыкальные инструменты, Ударные инструменты).

Профессиональные инструменты входят в различные виды оркестров: симфонический (оперный), духовой и эстрадный.

 

МУЛЬТИПЛИКАЦИЯ – вид киноискусства, произведения которого создаются путем съемки последовательности фаз движения рисованных (графическая мультипликация) или объемных (объемная мультипликация) объектов.

Первые рисунки, двигавшиеся перед глазами зрителя, были созданы бельгийским физиком Ж. Плато еще в 1832 году. Созданный им прибор – фенакистископ, главной частью которого был картонный диск с множеством рисунков, – позволял проанализировать фазы движения человеческого тела. Спустя сорок пять лет, в 1877 году, художник Э. Рейно использовал его для создания праксиноскопа – прибора, проецирующего движущееся изображение на экран. Его «оптический театр», работавший в парижском музее Гревен, пользовался успехом у зрителей, но так и остался лишь развлечением. Лишь в 1905 году, через десять лет после изобретения кино, американцы С. Блектон и У. Маккей впервые сняли рисунки на кинопленку и создали прообраз мультипликационного кино.

Первые рисованные фильмы были выпущены в 1908 г. (Франция), объемные – в 1911 (Россия).

В чем же заключается секрет «оживания рисунков»? Он основан на свойстве человеческого глаза удерживать на сетчатке любое изображение в течение одной двадцатой доли секунды. Это явление называется персистенцией или инерцией зрительных впечатлений. Так как в проекторе за секунду пробегает 24 кадра, то для глаза все они сливаются в одно движущееся изображение. Значит, для «оживления» нужно сделать множество рисунков одного и того же объекта, на каждом из которых он изображается чуть-чуть по-другому. Вот почему этот вид кинематографа получил название «мультипликация». В переводе с латинского это слово означает «умножение», а первые художники как раз тем и занимались, что размножали сделанные заранее рисунки.

Позднее, когда появились не только рисованные, но и кукольные мультфильмы, для них придумали другое название – «анимация». Оно происходит от латинского слова «анима» – душа и означает «одушевление». Но многим ближе старое и привычное понятие мультипликации.

Среди ее создателей встречаются настоящие мастера. Одни известны тем, что работают с разными материалами: проволокой, пластилином и просто всем, что под руками. Другие придумали героев, ставших своеобразным символом своего времени, страны – Волк и Заяц из мультфильмов Котеночкина, Том и Джерри из одноименного мультфильма студии Диснея. Третьи создали целое направление в своей национальной мультипликации. В Америке это был Уолт Дисней. Разработанный им метод поточного производства (когда к работе привлекались десятки и даже иногда сотни художников) рисованных фильмов более четверти века считался эталоном технического совершенства. Он первым начал снимать и полнометражные мультфильмы («Белоснежка и гномы», «Спящая красавица», «Бемби»).

Дисней считал, что главным в рисованном фильме является не движение, а психологический образ героя. Вот почему герои его фильмов наделены человеческими чертами – мимикой, голосом, характерными жестами. Более того, они стремятся показать различные состояния человека – как он плачет, смеется, грустит.

В России И. Иванов-Вано стал создателем сказочных мультфильмов. Среди других крупнейших мастеров мультипликации можно назвать И. Трнка (ЧССР), Й. Попеску-Гопо (Румыния), Т. Динова (Болгария). Значительны успехи режиссеров-мультипликаторов в России – В. Старевича, Л. Амальрика, В. и З. Брумберг, Ф. Хитрука, Р. Качанова, В. Котеночкина, Ю. Норштейна.

 

МУЛЯЖ (франц. moulage, от mouler – отливать в форму) – точное воспроизведение какого-либо объекта (из гипса, папье-маше и других материалов), обычно раскрашенное.

Разновидности отличаются в зависимости от предназначения. Первая связана со скульптурой и обозначает слепок с натуры. Подобные слепки-маски обычно выполнялись после смерти известного человека значительными скульпторами. Таковы сделанные посмертные маски А. Лушкина, С. Есенина, слепки с руки пианистов Ф. Шопена, Г. Нейгауза.

Назад: Л
Дальше: Н
Показать оглавление

Комментариев: 0

Оставить комментарий